Tema que integraba el disco que saco a la venta, el popular conductor y locutor de radio, Juan Alberto Badia. El disco se llamaba "Imagen de radio", como se llamaba su programa en tv, emitido en canal 7. Este tema era infaltable en las recordadas noches del "CLUB PROGRESO. Recuerdo tambien que los temas iban dedicado en su mayoria a las Chicas del Mercedario... Recuerdo algunos nombres, pero no los voy a dar para evitar problemas... mejor asi, jajaj. Cambiando de tema, si no tenes ese disco, te lo recomiendo, tiene excelentes temas, del cual recorde este "Rapado" para todos ustedes.
Roque Narvaja - Santa Lucia
Uno de los latinos que recuerdo sonaba en LT 40, tema indiscutido de los 80 de este cordobes que tiene muy buenos temas. En esta entrada "Santa Lucia", un tema para los que tienen mas de 30 y ...
Roque Narvaja (nacido el 10 de febrero de 1951 en la ciudad de Córdoba, Argentina) es un cantautor y guitarrista argentino, que desarrolló gran parte de su carrera en España. Su canción "Santa Lucía" ha sido considerada entre las cien mejores de España.
Durante fines de la década del 60 y principios de la década del 70, fue el líder y fundador del grupo musical "La Joven Guardia", exponente de la música beat en la Argentina. De esta época se destacan los temas "La reina de la canción" y uno de sus más exitosos y recordados: "El extraño del pelo largo" (1968). El mismo sirvió como título a una película, donde actuaba "La Joven Guardia", junto a Lito Nebbia. También actuaron en la película "El profesor hippie".
Posteriormente tocó el bajo y grabó un solo de guitarra en el long play "Muerte en la catedral" de la banda de Lito Nebbia. En 1972 inicia su carrera solista, con el disco "Octubre, mes de cambios". Este disco contiene canciones de protesta y letras politizadas como en el caso de "Revolución mi amor", "Camilo y Ernesto" (sobre Ernesto Guevara y su amigo, Camilo Cienfuegos) y "Balada para Luis" dedicada a Luis Pujals (militante del Partido Revolucionario de los Trabajadores, PRT) que según el propio Narvaja "simbolizaba un revolucionario que estaba secuestrado, fue uno de los primeros desaparecidos".
Luego de grabar los discos: "Primavera para un valle de lágrimas" y "Chimango", y cuendo tenía en preparación un nuevo álbum llamado "Amén" (que queda inconcluso), en 1977 debe exiliarse en España por los "aprietes" (amenazas) que recibe (el gobierno militar de Argentina ejerció el terrorismo de Estado). Allí opta por lo melódico, de esta época son dos de sus canciones mas reconocidas "Menta y Limón" y "Yo quería ser mayor".
A principios de los ´80, el cantante español de rock Miguel Ríos graba un tema compuesto por Roque Narvaja, "Santa Lucía", que lo hace muy reconocido:
"Miguel Ríos tomó una balada mía, Santa Lucía, la hizo rock and roll y chau. Nos cambió la vida a él y a mí. En 1980 me eligieron Mejor Compositor de España y la Sociedad de Autores incluyó a Santa Lucía dentro de las mejores 100 canciones de España"
Cuando termina la dictadura militar en Argentina, la mayoría de los artistas exiliados regresa. Sin embargo Roque Narvaja decide quedarse en España. En el año 2000 regresa definitivamente a su país.
En el año 2004 graba su hasta ahora último álbum: "Palabra por palabra".
Roque Narvaja (nacido el 10 de febrero de 1951 en la ciudad de Córdoba, Argentina) es un cantautor y guitarrista argentino, que desarrolló gran parte de su carrera en España. Su canción "Santa Lucía" ha sido considerada entre las cien mejores de España.
Durante fines de la década del 60 y principios de la década del 70, fue el líder y fundador del grupo musical "La Joven Guardia", exponente de la música beat en la Argentina. De esta época se destacan los temas "La reina de la canción" y uno de sus más exitosos y recordados: "El extraño del pelo largo" (1968). El mismo sirvió como título a una película, donde actuaba "La Joven Guardia", junto a Lito Nebbia. También actuaron en la película "El profesor hippie".
Posteriormente tocó el bajo y grabó un solo de guitarra en el long play "Muerte en la catedral" de la banda de Lito Nebbia. En 1972 inicia su carrera solista, con el disco "Octubre, mes de cambios". Este disco contiene canciones de protesta y letras politizadas como en el caso de "Revolución mi amor", "Camilo y Ernesto" (sobre Ernesto Guevara y su amigo, Camilo Cienfuegos) y "Balada para Luis" dedicada a Luis Pujals (militante del Partido Revolucionario de los Trabajadores, PRT) que según el propio Narvaja "simbolizaba un revolucionario que estaba secuestrado, fue uno de los primeros desaparecidos".
Luego de grabar los discos: "Primavera para un valle de lágrimas" y "Chimango", y cuendo tenía en preparación un nuevo álbum llamado "Amén" (que queda inconcluso), en 1977 debe exiliarse en España por los "aprietes" (amenazas) que recibe (el gobierno militar de Argentina ejerció el terrorismo de Estado). Allí opta por lo melódico, de esta época son dos de sus canciones mas reconocidas "Menta y Limón" y "Yo quería ser mayor".
A principios de los ´80, el cantante español de rock Miguel Ríos graba un tema compuesto por Roque Narvaja, "Santa Lucía", que lo hace muy reconocido:
"Miguel Ríos tomó una balada mía, Santa Lucía, la hizo rock and roll y chau. Nos cambió la vida a él y a mí. En 1980 me eligieron Mejor Compositor de España y la Sociedad de Autores incluyó a Santa Lucía dentro de las mejores 100 canciones de España"
Cuando termina la dictadura militar en Argentina, la mayoría de los artistas exiliados regresa. Sin embargo Roque Narvaja decide quedarse en España. En el año 2000 regresa definitivamente a su país.
En el año 2004 graba su hasta ahora último álbum: "Palabra por palabra".
Dire Straits - Walk of life
Hasta en estos dias, los acordes de este tema mueven al mas duro de los bailarines.
recordas este tema? sonaba y sonaba y sonaba.... Una vez mas lo hago sonar para todos ustedes... Espero que no se enojen...
recordas este tema? sonaba y sonaba y sonaba.... Una vez mas lo hago sonar para todos ustedes... Espero que no se enojen...
Heart - All I want to do is make love to you
Finales de los 80,principios de los 90, igual la fecha no importa mucho, lo que si vuelvo a recordar los "AULLIDOS" de lobos, en la antigua FM 100, calle 9 de Julio,tardes y noches de lentos... las bandejitas JVC de Jorge, a full... Para ellos, este excelente tema, para ingresar a los lentos y dar la voz de alerta para los que andaban rondando siempre, en busca de su chica... Del grupo ya hable, asi q escuchemos el tema y listo...
Eurythmics - There Must Be An Angel (Playing With My Heart)
Me parecio una muy buena version de este tema de los 80. Tema dedicado a TAVOS, que lo pidio en el minichat. Que grande TAVOS...
Eurythmics es una banda musical inglesa, originaria de Londres, conformado por Annie Lennox (vocalista) y David A. Stewart (compositor) a finales de 1980. Siendo el grupo que abriría la era del videoclip, de las ambigüedades y de la libertad.
El nombre del grupo proviene de la palabra Euritmia (en latín eurythmĭa del griego εὐρυθμία), cuyas raíces devienen del griego Eu -Bien, bueno- y Rythmes -Ritmo- , refiriéndose a la correspondencia que hay en cada una de las partes para producir una obra de arte musicalmente. Otros consideran que significa Ritmo Europeo.
Son conocidos mundialmente por grandes éxitos musicales, tales como, Sweet Dreams, Love Is A Stranger, Who´S That Girl?, Right By Your Side, Here Comes The Rain Again y la celebérrima 1984 también llamada Sex Crime, soundtrack de la película 1984 (Mil novecientos ochenta y cuatro), que fue basada en el libro de George Orwell.
Para finales de los 90’s su producción musical y presentaciones artísticas disminuyó al grado de creérsele ya separados, relanzando sus actividades a partir de 1999, habiendo Annie Lennox en ese periodo lanzado varios éxitos como solista
A Eurythmics se le reconoce por ser una de los grupos líderes del Synth pop de los 80’s y quienes iniciaron la era de los videoclips en esa década. La vocalista causó controversia debido a su look tan andrógino y cuyo cabello aún no se sabe cual es el verdadero color.
Eurythmics es una banda musical inglesa, originaria de Londres, conformado por Annie Lennox (vocalista) y David A. Stewart (compositor) a finales de 1980. Siendo el grupo que abriría la era del videoclip, de las ambigüedades y de la libertad.
El nombre del grupo proviene de la palabra Euritmia (en latín eurythmĭa del griego εὐρυθμία), cuyas raíces devienen del griego Eu -Bien, bueno- y Rythmes -Ritmo- , refiriéndose a la correspondencia que hay en cada una de las partes para producir una obra de arte musicalmente. Otros consideran que significa Ritmo Europeo.
Son conocidos mundialmente por grandes éxitos musicales, tales como, Sweet Dreams, Love Is A Stranger, Who´S That Girl?, Right By Your Side, Here Comes The Rain Again y la celebérrima 1984 también llamada Sex Crime, soundtrack de la película 1984 (Mil novecientos ochenta y cuatro), que fue basada en el libro de George Orwell.
Para finales de los 90’s su producción musical y presentaciones artísticas disminuyó al grado de creérsele ya separados, relanzando sus actividades a partir de 1999, habiendo Annie Lennox en ese periodo lanzado varios éxitos como solista
A Eurythmics se le reconoce por ser una de los grupos líderes del Synth pop de los 80’s y quienes iniciaron la era de los videoclips en esa década. La vocalista causó controversia debido a su look tan andrógino y cuyo cabello aún no se sabe cual es el verdadero color.
Kylie Minogue - Especially for you (Duets Jason Donovan)
Tema muy dedicado en FM La Paz y muy pedido en las noches de Alcatraz. Imprescindible tener este tema, ya sea en su version corta o larga, con un golpe de bateria mas marcado. Igual, a la hora de bailar, este era un detalle minimo. Para los romanticos, este hit de los 80
"Especially For You" ("Especialmente para Ti") es el primer sencillo del segundo álbum de Kylie Minogue, Enjoy Yourself, y fue publicado en noviembre de 1988. El tema es interpretado por Kylie en dueto con Jason Donovan.
"Especially For You" ("Especialmente para Ti") es el primer sencillo del segundo álbum de Kylie Minogue, Enjoy Yourself, y fue publicado en noviembre de 1988. El tema es interpretado por Kylie en dueto con Jason Donovan.
Opus - Faster and faster
Decir Opus es decir, life is live,eleven,flyin hight y obviamente Faster and Faster.
Aqui les dejo para esta entrega Faster and Faster. Quizas sea la primera vez que ven el video,no fue muy difundido en esa epoca, pero aqui lo tienen...
Aqui les dejo para esta entrega Faster and Faster. Quizas sea la primera vez que ven el video,no fue muy difundido en esa epoca, pero aqui lo tienen...
Jon Anderson - Hold on to love
Que buen tema para ir climatizando la fiesta. Excelente tema para escuchar tranqui, como en los cumple de 15, cuando se preparaba cortar la torta o para escuchar comiendo algo, en un local de electronica,en pleno centro. Seguro muchos saben de lo que hablo.
Jon Anderson (25 de octubre de 1944), es un músico británico, cantante líder del grupo de rock progresivo Yes.
La voz de Anderson es a menudo descrita como angelical. Él mismo considera que posee un registro de voz de contratenor, capaz de alcanzar notas muy altas sin caer en el falsete mientras mantiene la suavidad que se asocia constantemente a su voz. Incluso durante interpretaciones en vivo, tales como las registradas e incluidas en el álbum Yessongs, Anderson nunca cae en el falsete, como frecuentemente utilizan muchos otros cantantes en actuaciones en vivo para conservar su fuerza vocal.
Jon Anderson (25 de octubre de 1944), es un músico británico, cantante líder del grupo de rock progresivo Yes.
La voz de Anderson es a menudo descrita como angelical. Él mismo considera que posee un registro de voz de contratenor, capaz de alcanzar notas muy altas sin caer en el falsete mientras mantiene la suavidad que se asocia constantemente a su voz. Incluso durante interpretaciones en vivo, tales como las registradas e incluidas en el álbum Yessongs, Anderson nunca cae en el falsete, como frecuentemente utilizan muchos otros cantantes en actuaciones en vivo para conservar su fuerza vocal.
Madonna - Papa don´t preach
La mayoria de los tema de Madonna fueron un exito. Este tema indicaba tambien la pronta llegada de los lentos... y muchos...
Pet Shop Boys - Always on my mind
Escucho este tema y me viene a la mente, las noches en el Club Azopardo,Club Urquiza, el Sindicato de la Carne en Sta Elena y en La Paz, Colegio Nacional,FM LA PAZ,fiestas en el Progreso,los pedidos... Era un tema que se usaba para "largar" la fiesta. en esta entrada, "Always on my mind"
Pet Shop Boys es un grupo de pop electrónico procedente de Reino Unido. Sus integrantes son Neil Tennant y Chris Lowe, y han alcanzado el reconocimiento internacional desde sus primeros singles, a mediados de los años 80, gracias a éxitos como "West End Girls", "Left to my own devices", "It's a Sin" y "Go West". Pet Shop Boys es considerado por los críticos como el dúo mas exitoso en la historia de la música no solo por la cantidad de discos y sencillos que han alcanzado los topes de los charts, sino que por su profunda critica social y por el amplio sentido del humor que impregnan en sus letras. Además de sus propios discos, Pet Shop Boys escriben y producen para otros artistas, componen bandas sonoras y han estrenado un musical en Londres: "Closer to Heaven". Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.
Pet Shop Boys es un grupo de pop electrónico procedente de Reino Unido. Sus integrantes son Neil Tennant y Chris Lowe, y han alcanzado el reconocimiento internacional desde sus primeros singles, a mediados de los años 80, gracias a éxitos como "West End Girls", "Left to my own devices", "It's a Sin" y "Go West". Pet Shop Boys es considerado por los críticos como el dúo mas exitoso en la historia de la música no solo por la cantidad de discos y sencillos que han alcanzado los topes de los charts, sino que por su profunda critica social y por el amplio sentido del humor que impregnan en sus letras. Además de sus propios discos, Pet Shop Boys escriben y producen para otros artistas, componen bandas sonoras y han estrenado un musical en Londres: "Closer to Heaven". Hasta ahora Pet Shop Boys han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.
Donna Summer - Hot stuff
Donna Summer (LaDonna Adrian Gaines) 31 de diciembre de 1948, Rochester, Boston, Estados Unidos, es una cantante y compositora musical afroamericana conocida por sus éxitos en la década de 1970 con canciones como Hot Stuff, Love To Love You Baby, Na Na Hey Hey y On The Radio, entre muchas otras. Recibió el título de Reina del Disco.
John Paul Young - Love is in the air
Otro tema que sonaba en las fiestas, generalmente ya mas distendidos, despues de los lentos,con las primeras luces del alba, no?
Gloria Gaynor - I will survive
Gloria Gaynor (n. Newark, Nueva Yersey, 7 de septiembre de 1949) es una cantante de música disco y soul estadounidense. Tres de sus éxitos más conocidos son I will survive (1979), Never can say goodbye (1974) y I am what I am. Considerada una de las divas de la música disco de los 70 y 80.
Gloria Gaynor nace el 7 de septiembre de 1949 en Newark, New Jersey. Empieza su carrera con la banda Soul Satisfiers durante los 60. Su primer single se edita en 1965 bajo el título She'll be sorry/Let me go baby.
Por primera vez la letra de una canción (I will survive, en español Sobreviviré) se escribe desde el punto de vista de una mujer, arremetiendo a su ex amante con que ella ya es libre y puede seguir adelante sin él. La canción se convirtió en un himno de la liberación femenina y hoy en día sigue sonando con fuerza en discotecas y karaokes.
Su otro gran éxito fue una versión de The Jackson 5: Never can say goodbye (Nunca puedes decir adiós). Sería versionado con enorme éxito nuevamente por Jimmy Sommerville, líder del grupo gay The Communards.
Su tercer gran éxito, I am what I am (Soy como soy) se convertiría en himno gay, al aludir a la defensa de la propia personalidad, más allá de presiones externas.
Gloria Gaynor encabeza éxito tras éxito y se convierte en la reina de las pistas de baile durante 20 años. Su música traspasa fronteras y Europa se rinde a ella. Grabó versiones de éxitos del cine, como The Eye of the Tiger (de Rocky III) y The Heat is On de Superdetective en Hollywood, originalmente grabada por Glenn Frey, de los Eagles.
Hoy en día la popularidad de la Gaynor parece haber disminuido aunque sus canciones siguen sonando con la misma fuerza y varias de ellas forman parte de las 100 más imprescindibles según la revista Rolling Stone
Gloria Gaynor nace el 7 de septiembre de 1949 en Newark, New Jersey. Empieza su carrera con la banda Soul Satisfiers durante los 60. Su primer single se edita en 1965 bajo el título She'll be sorry/Let me go baby.
Por primera vez la letra de una canción (I will survive, en español Sobreviviré) se escribe desde el punto de vista de una mujer, arremetiendo a su ex amante con que ella ya es libre y puede seguir adelante sin él. La canción se convirtió en un himno de la liberación femenina y hoy en día sigue sonando con fuerza en discotecas y karaokes.
Su otro gran éxito fue una versión de The Jackson 5: Never can say goodbye (Nunca puedes decir adiós). Sería versionado con enorme éxito nuevamente por Jimmy Sommerville, líder del grupo gay The Communards.
Su tercer gran éxito, I am what I am (Soy como soy) se convertiría en himno gay, al aludir a la defensa de la propia personalidad, más allá de presiones externas.
Gloria Gaynor encabeza éxito tras éxito y se convierte en la reina de las pistas de baile durante 20 años. Su música traspasa fronteras y Europa se rinde a ella. Grabó versiones de éxitos del cine, como The Eye of the Tiger (de Rocky III) y The Heat is On de Superdetective en Hollywood, originalmente grabada por Glenn Frey, de los Eagles.
Hoy en día la popularidad de la Gaynor parece haber disminuido aunque sus canciones siguen sonando con la misma fuerza y varias de ellas forman parte de las 100 más imprescindibles según la revista Rolling Stone
Kool And The Gang - Fresh
Kool & The Gang es un grupo americano de R&B, soul, funk y disco muy exitoso. El grupo se formó en Jersey City, Nueva Jersey en 1964.
Los miembros principales del grupo a través de los años han sido Robert 'Kool' Bell en el bajo y Ronald Bell en el saxo tenor; George Brown en la percusión; Robert Mickens en la trompeta; Dennis Thomas en el saxo alto; Claydes Charles Smith en la guitarra, Clifford Adams en el trombón y Rick Westfield en los teclados. El padre de Robert y Ronald trabajó con Thelonious Monk y así mismo los hermanos eran amigos de Leon Thomas. En 1964 Robert formó la banda instrumental "the Jazziacs" con cinco compañeros de colegio y después cambiaron su nombre a Kool & the Gang cuando lanzaron un álbum del mismo nombre.
Aunque no llegaron a poner un sencillo en listas, el álbum fue exitoso, lo que les permitió seguir editando álbumes hasta que el de 1973 llamado Wild and Peaceful llegó al reconocimiento general con las canciones "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging". El sonido funk que habían estado cultivando llegó a su máxima expresión en el álbum de 1975 llamado The Spirit of the Boogie y después de este empieza un cambio radical hacia el sonido disco.
Cuando en 1979 se une al grupo el cantante James "J.T." Taylor en el álbum Ladies' Night comienza una nueva etapa más comercial y en consecuencia más exitosa, obtuvieron un número 1 con "Celebration" del álbum Celebrate! del año 1980 , producido por Eumir Deodato.
A partir de ese éxito lograron muchas más apariciones en listas como "Big Fun", "Get Down on It" y "Joanna". Su álbum de 1984 llamado Emergency les dio cuatro éxitos en el top 20 incluyendo "Fresh" y "Cherish". Su presencia en listas se interrumpió a partir del álbum Forever cuando Taylor y Ronald Bell (quien empezó a llamarse Khalis Bayyan) dejaron el grupo.
El nombre del grupo volvió a la actualidad en 2003, cuando un sample de trompetas suyo dio forma al superéxito "Crazy in Love" de Beyoncé. Ya diez años antes, Madonna había incluido otro sample suyo en su polémica canción "Erotica".
Los miembros principales del grupo a través de los años han sido Robert 'Kool' Bell en el bajo y Ronald Bell en el saxo tenor; George Brown en la percusión; Robert Mickens en la trompeta; Dennis Thomas en el saxo alto; Claydes Charles Smith en la guitarra, Clifford Adams en el trombón y Rick Westfield en los teclados. El padre de Robert y Ronald trabajó con Thelonious Monk y así mismo los hermanos eran amigos de Leon Thomas. En 1964 Robert formó la banda instrumental "the Jazziacs" con cinco compañeros de colegio y después cambiaron su nombre a Kool & the Gang cuando lanzaron un álbum del mismo nombre.
Aunque no llegaron a poner un sencillo en listas, el álbum fue exitoso, lo que les permitió seguir editando álbumes hasta que el de 1973 llamado Wild and Peaceful llegó al reconocimiento general con las canciones "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging". El sonido funk que habían estado cultivando llegó a su máxima expresión en el álbum de 1975 llamado The Spirit of the Boogie y después de este empieza un cambio radical hacia el sonido disco.
Cuando en 1979 se une al grupo el cantante James "J.T." Taylor en el álbum Ladies' Night comienza una nueva etapa más comercial y en consecuencia más exitosa, obtuvieron un número 1 con "Celebration" del álbum Celebrate! del año 1980 , producido por Eumir Deodato.
A partir de ese éxito lograron muchas más apariciones en listas como "Big Fun", "Get Down on It" y "Joanna". Su álbum de 1984 llamado Emergency les dio cuatro éxitos en el top 20 incluyendo "Fresh" y "Cherish". Su presencia en listas se interrumpió a partir del álbum Forever cuando Taylor y Ronald Bell (quien empezó a llamarse Khalis Bayyan) dejaron el grupo.
El nombre del grupo volvió a la actualidad en 2003, cuando un sample de trompetas suyo dio forma al superéxito "Crazy in Love" de Beyoncé. Ya diez años antes, Madonna había incluido otro sample suyo en su polémica canción "Erotica".
Fito Paez - Giros
Mi solista preferido 100%,he recibido regalos,posters,cosas del rosarino, uno de los artistas de primer nivel que pude ver en La Paz. Tuve la suerte de poder verlo en el Puerto Local, por los 150 años de nuestra ciudad. Llego gente de varios lugares,sus temas eran escuhados por personas mas grandes, que conocian su primer disco, titulado "Del 63.Todavia no era un artista muy conocido,solo lo que lo empezabamos a seguir sabiamos de este gran artista flaquisimo, dedos largos,cabellos llenos de bucles, estilo que fue copiado por un personaje de La Paz,en sus años que tenia abundante cabello. Fito Paez,"Giros".
Rodolfo "Fito" Páez nació en Rosario el 13 de marzo de 1963 y formó Staff, su primera banda, cuando tenía 13 años. Ya en 1977 tocaba en El Banquete, junto a Rubén Goldín y Jorge Llonch. A partir del año siguiente se presentó como solista en varios pubs locales. Cuando Juan Carlos Baglietto formó su banda, lo incluyó como tecladista y como arreglador, junto a Goldín, quien también tocaba la guitarra. En esa banda militaban Silvina Garré y Sergio Sáenz. Para fines de 1983 ya cantaba "Del '63" solo con su piano, en medio del show de Baglietto.
Durante una presentación con Baglietto en el teatro Coliseo (4/12/82), Charly García fue hasta el camarín para saludarlo. El apenas tenía 19 años y la plata que sacaba le daba para pagar algunas deudas. Al poco tiempo, Daniel Grinbank, por aquél entonces mánager de García, lo llamó a su oficina: comenzaría a ensayar para la gira nacional de "Clics Modernos", junto a GIT y Fabiana Cantilo. Tocaría los teclados en lugar de Andrés Calamaro, que se unía a Los Abuelos de la Nada y participaría en los discos "Clics Modernos" (1983) y "Piano Bar" (1984).
Tras ese empujón artístico, preparó su primer disco solista, "Del '63" (1984). Lo presentó primero en Rosario y luego en Buenos Aires, acompañado por Daniel Wirtz en batería, Fabián Gallardo en guitarra, teclados y voz, Tweety González en teclados y Paul Dorge en bajo, más los invitados especiales: Fabi Cantilo, Rubén Goldín y Miguel Zavaleta. Al tiempo, Llonch retornaría al bajo.
Ya por entonces consagrado como uno de los compositores más importantes (Luca Prodán lo definió como "el hijo de Charly García y Nito Mestre"), se presentó junto a Baglietto en Obras, el 7 y 8 de junio de 1985, para presentarse nuevamente ante el público porteño con su nuevo disco, "Giros".
Con Luis Alberto Spinetta tuvo un encuentro fortuito, similar al que lo unió a García. «Esta es la mejor música que se está haciendo hoy», comentó el Flaco tras escuchar un demo de lo que sería el segundo álbum. Juntos grabaron "La la la" (1986) y realizaron una desordenada gira que los llevó hasta Santiago de Chile. Ese año participó de los festejos por los Mil Días en Democracia, organizados por el gobierno de Santa Fe en el Monumento a la Bandera. Allí se presentó con Spinetta como invitado, en un espectáculo que también reunió a Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré y Antonio Tarragó Ros.
"El peor crimen que puede cometer un intelectual es el engaño a través del cual obtiene dinero", declaró al presentar "Ciudad de Pobres Corazones" (1987), compuesto en memoria de su tía y su abuela, asesinadas en Rosario. Este álbum, elegido como el Mejor del Año para el Suplemento Sí, marca una clara diferenciación con el período anterior, más rítmico. Su escepticismo se plasma en las composiciones dark y en sus declaraciones: "para quien piensa que la música sirve para algo, la gira de Amnesty es lo mejor que le puede pasar. Yo no creo que el arte sirva para nada". Si en su primera etapa cantaba "quién dijo que todo está perdido / yo vengo a ofrecer mi corazón", ahora sentencia: "en esta puta ciudad / todo se quema y se va / matan a pobres corazones".
En diciembre de 1987 se presentó como telonero de Sting, en el estadio de River Plate. Todavía furioso e ireverente, declaró: «¡A los 40 años se da cuenta de que están torturando gente en el mundo! ¿Quién de nosotros puede permitirse esa misma ingenuidad? Lo que es crítico es el fenómeno en los medios: lo muestran a Sting como si fuera el Santo Redentor».
"Ey!" (1988), su siguiente disco, se grabó en Nueva York y La Habana, mientras participaba del Festival de Varadero junto a Baglietto. Este es el primer disco producido por el propio Fito y fue registrado con su nueva banda: Guillermo Vadalá en bajo, Guillermo Colombres en batería, Osvaldo Fattoruso en percusión, trompetistas y saxofonistas del grupo Afrocuba (que por entonces acompañaba a Silvio Rodriguez) y una serie de guitarristas invitados: Fabián Gallardo, Ulises Butrón, Ricardo Mollo y Gabriel Carámbula.
«"Ey!" aparece en un momento de transición. Luego de una temporada en el infierno que lo llevó a su expresión musical más salvaje, contrapuesto al sitial de romántica lucidez en el que muchos pretendían congelarlo por su producción anterior, Páez lanza este trabajo sobre el final de una etapa, antes quecomo testimonio de un nuevo punto de partida (...)"Ey!" parece un conglomerado de influencias y estilos que muestran no a uno, sino a varios Fito Páez posibles. Una gama de posibilidades en que pueden advertirse, sin dudas, facetas más logradas e interesantes que otras».
"Tercer mundo" (1990) es una especie de película sobre el continente americano y sus países. «El disco refleja lo que ví en mis viajes por América Latina: las fiestas paganas, los curas mezclados con los terroristas, las prostitutas tratando de quitarles el dinero a los norteamericanos. Me dije: aquí abajo hay un mundo muy fuerte. Quise reflejar eso», explicó Fito (H.Vargas, pág 131). Los temas más importantes son "Carabelas nada", "Yo te amé en Nicaragua", "El chico de la tapa" y "Tercer Mundo", definida grandilocuentemente como «el equivalente rockero de "Cambalache"». Con nueva banda, este trabajo fue presentado en el teatro Gran Rex los días 14 y 15 de diciembre. Los músicos eran Gallardo en teclados, guitarra y coros, Guillermo Vadalá en bajo, Daniel Colombres en batería, Ricardo Verdirame en guitarra, Mario Maselli en teclados y Celsa Mel Gowland en coros. Entre los invitados especiales (tanto al disco como a su presentación) figuran Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Liliana Herrero, Fabiana Cantilo e Illya Kuryaki & The Valderramas.
El siguiente álbum sería el que mayor éxito y dinero le traería: "El amor después del amor" (1992). "Nadie puede y nadie debe vivir sin amor" es el estribillo que caracteriza a este trabajo, criticado por su superficialidad y "falto de compromiso". Sin embargo, el éxito comercial lo llevó a ser el disco más vendido de la historia del rock nacional (600.000 copias) con hits como el tema homónimo, "La rueda mágica", "Dos días en la vida" y "A rodar mi vida". Fue presentado primero en Rosario, en el estadio cubierto de Newell's Old Boys, luego en once shows en el teatro Gran Rex de la Capital y, finalmente, por todo el país en La Rueda Mágica Tour '93, que culminó en Velez, los días 24 y 25 de abril, ante 40.000 espectadores cada noche. En diciembre de ese año repitió su presentación en Velez, a beneficio de UNICEF Argentina: donó 420 mil dólares.
Páez se quedó con todos las encuestas de popularidad: Mejor Solista, Mejor Disco ("El amor..."), Mejor Tema y Mejor Video
("Tumbas de la gloria") y perdió solamente en Mejor Show, superado por el retorno de Serú Girán en River. Ya para mediados de 1994, "El amor después del amor" había alcanzado las 650.000 copias vendidas.
El éxito también lo acompañó en Cuba y fue el primer extranjero en permitírsele su presentación en la Plaza de la Revolución de La Habana, ante 40.000 espectadores y con transmisión en directo para el resto de la isla. Luego, acompañado por Silvio Rodríguez, fue a visitar a Fidel a la Residencia. Su presentación en el Festival de Montreux (Suiza).
Con la presión de igualar el éxito anterior, Fito volvió al estudio para grabar "Circo Beat" (1994), pero las expectativas (artísticamente hablando) quedaron muy grandes para este trabajo. Sin embargo, un par de temas contaron con amplia difusión en las radios: "Mariposa Tecknicolor" y "Tema de Piluso", en homenaje al cómico rosarino Alberto Olmedo. También editó "Circo Beat Brasil", con tres bonus tracks en portugués: "Mariposa Technicolor" (a dúo con Caetano Veloso), "She's mine" (con Djavan) y "Nas luzes de Rosario" (o "Tema de Piluso", con Herbert Vianna, de los Paralamas). En total, esta placa vendió 350.000 copias, lo que lo convirtieron en el segundo álbum más exitoso del '95.
Se presentó también en las Francofolies, el desembarco del "nuevo rock francés" en Obras, con Sinclair, FFF y No One is Innocent, más el aporte local de Todos Tus Muertos y Los Fabulosos Cadillacs.
En 1995 presentó oficialmente el material en 20 shows en el Teatro Opera y cerró el año en un estadio de River sorprendentemente semivacío (apenas convocó a 25.000 espectadores). Lo acompañaron Pomo (batería), Gabriel Carámbula (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), Guillermo Vadalá (bajo), Alina Gandini (teclados), Laura Vázquez (teclados) y Nicolás Cotta (percusión). También participaron Andrés Calamaro, Ariel Rot, Liliana Herrero y Fabiana Cantilo como músicos invitados. Las presentaciones de "Circo Beat" tuvieron su última fecha en un show al aire libre y con entrada gratuita, que convocó a cerca de 50.000 personas en los bosques de Palermo.
La cadena MTV le propuso grabar un "unplugged", pero ante el no acuerdo económico, Fito grabó una recopilación acústica en sociedad con Telefé, bautizada "Euforia".
En 1998 editó "Enemigos íntimos", un muy promocionado álbum junto al español Joaquín Sabina, cuyo título sería premonitorio sobre la relación del dúo: terminaron cancelando una gira con más de 60 fechas por América y España con una poesía de despedida firmada por el español: «Urge cortar por lo sano, con la gira del verano, y el kilombo del video. El rol del patito feo, no me va te lo aseguro, y menos el de hombre duro, que a tí te cuesta tan poco».
En el '99 se edita "Abre", un material fuerte con temas extensos, producido por Phil Ramone, en el cual el aspecto vocal se impone en primer plano.
"Rey Sol" (2000) fue dedicado a su hijo Martín. Éste álbum tuvo su cuota polémica con el corte "El diablo de tu corazón", cuyo videoclip fue dirigido por Eddie Flehner. Pero pese a eso, no fue demasiado aceptado.
Dejando de lado momentáneamente su faceta de músico, Páez dirigió durante el 2001 la película "Vidas privadas", protagonizada por su mujer de entonces, Cecilia Roth, junto a Gael García Bernal, Lito Cruz y Héctor Alterio. El film, con guión del propio Páez, fue estrenado el 25 de abril del 2002, y Fito presentó su trabajo en varios festivales internacionales. La crítica no lo acompañó, y el músico/cineasta se enojó con los medios especializados.
El 2003 lo encontró en un aspecto mucho más rockero, como hacía tiempo no se lo veía. "Naturaleza sangre" incluyó como invitados a García, Spinetta y Rita Lee, y el material fue editado también en formato DVD.
"Mi vida con ellas 1" y "2" no deja de ser una recopilación en vivo, pero tiene el mérito de no caer necesariamente en los hits más clásicos de su carrera. Fue grabado en diferentes ciudades de América.
Bajo la dirección de Gerardo Gandini y acompañado por una orquesta de nueve cuerdas, encaró otro disco de versiones, "Moda y pueblo", con el agregado que también incluyó composiciones ajenas de por ejemplo, Charly García y Spinetta.
"El mundo cabe en una canción" (2006) fue editado luego de terminar de rodar su segundo film, "De quién es el portaligas". Producido por el propio Fito, el disco fue grabado en Circo Beat, junto a Guillermo Vadalá (bajo), Gabriel Carámbula (guitarras), Coki Debernardi (guitarras), Gonzalo Aloras (guitarras y voz), Pete Thomas (batería y percusión) y Vandera (coros). Además, participaron Claudio Cardone, Ana Alvarez de Toledo, Claudia Puyó, Nigel Walker, Fena Dellamaggiora y Bolsa González.
Fuente:Rock.com.ar
Rodolfo "Fito" Páez nació en Rosario el 13 de marzo de 1963 y formó Staff, su primera banda, cuando tenía 13 años. Ya en 1977 tocaba en El Banquete, junto a Rubén Goldín y Jorge Llonch. A partir del año siguiente se presentó como solista en varios pubs locales. Cuando Juan Carlos Baglietto formó su banda, lo incluyó como tecladista y como arreglador, junto a Goldín, quien también tocaba la guitarra. En esa banda militaban Silvina Garré y Sergio Sáenz. Para fines de 1983 ya cantaba "Del '63" solo con su piano, en medio del show de Baglietto.
Durante una presentación con Baglietto en el teatro Coliseo (4/12/82), Charly García fue hasta el camarín para saludarlo. El apenas tenía 19 años y la plata que sacaba le daba para pagar algunas deudas. Al poco tiempo, Daniel Grinbank, por aquél entonces mánager de García, lo llamó a su oficina: comenzaría a ensayar para la gira nacional de "Clics Modernos", junto a GIT y Fabiana Cantilo. Tocaría los teclados en lugar de Andrés Calamaro, que se unía a Los Abuelos de la Nada y participaría en los discos "Clics Modernos" (1983) y "Piano Bar" (1984).
Tras ese empujón artístico, preparó su primer disco solista, "Del '63" (1984). Lo presentó primero en Rosario y luego en Buenos Aires, acompañado por Daniel Wirtz en batería, Fabián Gallardo en guitarra, teclados y voz, Tweety González en teclados y Paul Dorge en bajo, más los invitados especiales: Fabi Cantilo, Rubén Goldín y Miguel Zavaleta. Al tiempo, Llonch retornaría al bajo.
Ya por entonces consagrado como uno de los compositores más importantes (Luca Prodán lo definió como "el hijo de Charly García y Nito Mestre"), se presentó junto a Baglietto en Obras, el 7 y 8 de junio de 1985, para presentarse nuevamente ante el público porteño con su nuevo disco, "Giros".
Con Luis Alberto Spinetta tuvo un encuentro fortuito, similar al que lo unió a García. «Esta es la mejor música que se está haciendo hoy», comentó el Flaco tras escuchar un demo de lo que sería el segundo álbum. Juntos grabaron "La la la" (1986) y realizaron una desordenada gira que los llevó hasta Santiago de Chile. Ese año participó de los festejos por los Mil Días en Democracia, organizados por el gobierno de Santa Fe en el Monumento a la Bandera. Allí se presentó con Spinetta como invitado, en un espectáculo que también reunió a Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré y Antonio Tarragó Ros.
"El peor crimen que puede cometer un intelectual es el engaño a través del cual obtiene dinero", declaró al presentar "Ciudad de Pobres Corazones" (1987), compuesto en memoria de su tía y su abuela, asesinadas en Rosario. Este álbum, elegido como el Mejor del Año para el Suplemento Sí, marca una clara diferenciación con el período anterior, más rítmico. Su escepticismo se plasma en las composiciones dark y en sus declaraciones: "para quien piensa que la música sirve para algo, la gira de Amnesty es lo mejor que le puede pasar. Yo no creo que el arte sirva para nada". Si en su primera etapa cantaba "quién dijo que todo está perdido / yo vengo a ofrecer mi corazón", ahora sentencia: "en esta puta ciudad / todo se quema y se va / matan a pobres corazones".
En diciembre de 1987 se presentó como telonero de Sting, en el estadio de River Plate. Todavía furioso e ireverente, declaró: «¡A los 40 años se da cuenta de que están torturando gente en el mundo! ¿Quién de nosotros puede permitirse esa misma ingenuidad? Lo que es crítico es el fenómeno en los medios: lo muestran a Sting como si fuera el Santo Redentor».
"Ey!" (1988), su siguiente disco, se grabó en Nueva York y La Habana, mientras participaba del Festival de Varadero junto a Baglietto. Este es el primer disco producido por el propio Fito y fue registrado con su nueva banda: Guillermo Vadalá en bajo, Guillermo Colombres en batería, Osvaldo Fattoruso en percusión, trompetistas y saxofonistas del grupo Afrocuba (que por entonces acompañaba a Silvio Rodriguez) y una serie de guitarristas invitados: Fabián Gallardo, Ulises Butrón, Ricardo Mollo y Gabriel Carámbula.
«"Ey!" aparece en un momento de transición. Luego de una temporada en el infierno que lo llevó a su expresión musical más salvaje, contrapuesto al sitial de romántica lucidez en el que muchos pretendían congelarlo por su producción anterior, Páez lanza este trabajo sobre el final de una etapa, antes quecomo testimonio de un nuevo punto de partida (...)"Ey!" parece un conglomerado de influencias y estilos que muestran no a uno, sino a varios Fito Páez posibles. Una gama de posibilidades en que pueden advertirse, sin dudas, facetas más logradas e interesantes que otras».
"Tercer mundo" (1990) es una especie de película sobre el continente americano y sus países. «El disco refleja lo que ví en mis viajes por América Latina: las fiestas paganas, los curas mezclados con los terroristas, las prostitutas tratando de quitarles el dinero a los norteamericanos. Me dije: aquí abajo hay un mundo muy fuerte. Quise reflejar eso», explicó Fito (H.Vargas, pág 131). Los temas más importantes son "Carabelas nada", "Yo te amé en Nicaragua", "El chico de la tapa" y "Tercer Mundo", definida grandilocuentemente como «el equivalente rockero de "Cambalache"». Con nueva banda, este trabajo fue presentado en el teatro Gran Rex los días 14 y 15 de diciembre. Los músicos eran Gallardo en teclados, guitarra y coros, Guillermo Vadalá en bajo, Daniel Colombres en batería, Ricardo Verdirame en guitarra, Mario Maselli en teclados y Celsa Mel Gowland en coros. Entre los invitados especiales (tanto al disco como a su presentación) figuran Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Liliana Herrero, Fabiana Cantilo e Illya Kuryaki & The Valderramas.
El siguiente álbum sería el que mayor éxito y dinero le traería: "El amor después del amor" (1992). "Nadie puede y nadie debe vivir sin amor" es el estribillo que caracteriza a este trabajo, criticado por su superficialidad y "falto de compromiso". Sin embargo, el éxito comercial lo llevó a ser el disco más vendido de la historia del rock nacional (600.000 copias) con hits como el tema homónimo, "La rueda mágica", "Dos días en la vida" y "A rodar mi vida". Fue presentado primero en Rosario, en el estadio cubierto de Newell's Old Boys, luego en once shows en el teatro Gran Rex de la Capital y, finalmente, por todo el país en La Rueda Mágica Tour '93, que culminó en Velez, los días 24 y 25 de abril, ante 40.000 espectadores cada noche. En diciembre de ese año repitió su presentación en Velez, a beneficio de UNICEF Argentina: donó 420 mil dólares.
Páez se quedó con todos las encuestas de popularidad: Mejor Solista, Mejor Disco ("El amor..."), Mejor Tema y Mejor Video
("Tumbas de la gloria") y perdió solamente en Mejor Show, superado por el retorno de Serú Girán en River. Ya para mediados de 1994, "El amor después del amor" había alcanzado las 650.000 copias vendidas.
El éxito también lo acompañó en Cuba y fue el primer extranjero en permitírsele su presentación en la Plaza de la Revolución de La Habana, ante 40.000 espectadores y con transmisión en directo para el resto de la isla. Luego, acompañado por Silvio Rodríguez, fue a visitar a Fidel a la Residencia. Su presentación en el Festival de Montreux (Suiza).
Con la presión de igualar el éxito anterior, Fito volvió al estudio para grabar "Circo Beat" (1994), pero las expectativas (artísticamente hablando) quedaron muy grandes para este trabajo. Sin embargo, un par de temas contaron con amplia difusión en las radios: "Mariposa Tecknicolor" y "Tema de Piluso", en homenaje al cómico rosarino Alberto Olmedo. También editó "Circo Beat Brasil", con tres bonus tracks en portugués: "Mariposa Technicolor" (a dúo con Caetano Veloso), "She's mine" (con Djavan) y "Nas luzes de Rosario" (o "Tema de Piluso", con Herbert Vianna, de los Paralamas). En total, esta placa vendió 350.000 copias, lo que lo convirtieron en el segundo álbum más exitoso del '95.
Se presentó también en las Francofolies, el desembarco del "nuevo rock francés" en Obras, con Sinclair, FFF y No One is Innocent, más el aporte local de Todos Tus Muertos y Los Fabulosos Cadillacs.
En 1995 presentó oficialmente el material en 20 shows en el Teatro Opera y cerró el año en un estadio de River sorprendentemente semivacío (apenas convocó a 25.000 espectadores). Lo acompañaron Pomo (batería), Gabriel Carámbula (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), Guillermo Vadalá (bajo), Alina Gandini (teclados), Laura Vázquez (teclados) y Nicolás Cotta (percusión). También participaron Andrés Calamaro, Ariel Rot, Liliana Herrero y Fabiana Cantilo como músicos invitados. Las presentaciones de "Circo Beat" tuvieron su última fecha en un show al aire libre y con entrada gratuita, que convocó a cerca de 50.000 personas en los bosques de Palermo.
La cadena MTV le propuso grabar un "unplugged", pero ante el no acuerdo económico, Fito grabó una recopilación acústica en sociedad con Telefé, bautizada "Euforia".
En 1998 editó "Enemigos íntimos", un muy promocionado álbum junto al español Joaquín Sabina, cuyo título sería premonitorio sobre la relación del dúo: terminaron cancelando una gira con más de 60 fechas por América y España con una poesía de despedida firmada por el español: «Urge cortar por lo sano, con la gira del verano, y el kilombo del video. El rol del patito feo, no me va te lo aseguro, y menos el de hombre duro, que a tí te cuesta tan poco».
En el '99 se edita "Abre", un material fuerte con temas extensos, producido por Phil Ramone, en el cual el aspecto vocal se impone en primer plano.
"Rey Sol" (2000) fue dedicado a su hijo Martín. Éste álbum tuvo su cuota polémica con el corte "El diablo de tu corazón", cuyo videoclip fue dirigido por Eddie Flehner. Pero pese a eso, no fue demasiado aceptado.
Dejando de lado momentáneamente su faceta de músico, Páez dirigió durante el 2001 la película "Vidas privadas", protagonizada por su mujer de entonces, Cecilia Roth, junto a Gael García Bernal, Lito Cruz y Héctor Alterio. El film, con guión del propio Páez, fue estrenado el 25 de abril del 2002, y Fito presentó su trabajo en varios festivales internacionales. La crítica no lo acompañó, y el músico/cineasta se enojó con los medios especializados.
El 2003 lo encontró en un aspecto mucho más rockero, como hacía tiempo no se lo veía. "Naturaleza sangre" incluyó como invitados a García, Spinetta y Rita Lee, y el material fue editado también en formato DVD.
"Mi vida con ellas 1" y "2" no deja de ser una recopilación en vivo, pero tiene el mérito de no caer necesariamente en los hits más clásicos de su carrera. Fue grabado en diferentes ciudades de América.
Bajo la dirección de Gerardo Gandini y acompañado por una orquesta de nueve cuerdas, encaró otro disco de versiones, "Moda y pueblo", con el agregado que también incluyó composiciones ajenas de por ejemplo, Charly García y Spinetta.
"El mundo cabe en una canción" (2006) fue editado luego de terminar de rodar su segundo film, "De quién es el portaligas". Producido por el propio Fito, el disco fue grabado en Circo Beat, junto a Guillermo Vadalá (bajo), Gabriel Carámbula (guitarras), Coki Debernardi (guitarras), Gonzalo Aloras (guitarras y voz), Pete Thomas (batería y percusión) y Vandera (coros). Además, participaron Claudio Cardone, Ana Alvarez de Toledo, Claudia Puyó, Nigel Walker, Fena Dellamaggiora y Bolsa González.
Fuente:Rock.com.ar
Virus - Pronta entrega
Virus, uno de mis grupos favoritos a lo que rock nacional se refiere. Federico Moura a mi opinion,el alma del grupo,los demas acompañaban,todos excelentes musicos pero se comprobo, luego al morir Federico, que Virus intento,pero no llego nunca al nivel del Virus de los 80. Ni hablar de la falta de respeto que ha hecho un grupito en la actualidad,al intentar cantar "Una Luna de Miel en la mano". AHora los invito a ver y escuchar un imperdible "Pronta Entrega"del disco "Locura"
Virus
Formación inicial
Enrique Mugetti: bajo
Federico Moura: voz
Julio Moura: guitarra
Marcelo Moura: teclados
Mario Serra: batería
Ricardo Serra: guitarra
Roberto Jacoby: letrista
Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock nacional. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» .
Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.
Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.
"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).
"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.
En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.
La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo.
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".
Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.
"Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.
Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza».
A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (...) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas... Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.
En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.
"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...
Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).
"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.
«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro».
A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.
"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.
Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.
«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12).
La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.
Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.
En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.
Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".
Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).
El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron "Caja negra", editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de "Luna de miel en la mano".
Virus
Formación inicial
Enrique Mugetti: bajo
Federico Moura: voz
Julio Moura: guitarra
Marcelo Moura: teclados
Mario Serra: batería
Ricardo Serra: guitarra
Roberto Jacoby: letrista
Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock nacional. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» .
Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.
Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.
"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).
"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.
En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.
La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo.
Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".
Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.
"Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.
Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza».
A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias internas: «Jacoby escribía letras y cobraba una fortuna de guita cada seis meses, mientras que nosotros no cobrábamos un mango. Un grupo no puede funcionar jamás así. (...) Lo que hizo Roberto yo no lo haría ni mamado: cobrar, por ejemplo, 25.000 dólares y no tener un gesto, son cosas medio bravas... Nosotros cobrábamos por los shows y por el Sindicato de Músicos, pero yo de Sadaic nunca cobré nada.» (D.Riera / F.Sanchez, pág 108). Su reemplazante fue Daniel Sbarra.
En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.
"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...
Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).
"Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.
«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro».
A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.
"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.
Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.
«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12).
La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.
Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.
En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.
Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".
Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).
El 1º de junio de 2006 la banda volvió a presentarse en vivo en el Teatro Coliseo, donde registraron "Caja negra", editado en CD y en DVD. El show tuvo como invitados a Ale Sergi (de Miranda!), Adrián Dárgelos (de Babasónicos, Pity Alvarez (de Intoxicados) y Ciro Pertusi (de Attaque 77). El primer corte difusión fue la nueva versión de "Luna de miel en la mano".
Charly Garcia - Demoliendo Hoteles
Artista indiscutido en la escena nacional e internacional. Esta todo dicho en las lineas que cuentan su historia (rock.com.ar). Este video esta especialemte dedicado al fan N°1 del artista con bigote bicolor, el popularmente conocido Hector "Cone" Schaller, en honor a el y a su mitsubishi amarilla, que nos ha llevado a recorrer miles de kms en las noches de trabajo, junto a Pepo, Fabito, Pope e invitados especiales.
Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis".
En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires",
"Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires".
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional.
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, "Grandes Exitos"). Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las Ligas".
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.
El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié".
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.
Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en "Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en "Filosofía Barata...") y continuó con "Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada.
El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.
La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.
En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92"), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.
En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.
Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta.
Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.
Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis".
En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires",
"Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires".
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional.
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, "Grandes Exitos"). Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las Ligas".
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.
El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié".
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.
Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en "Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en "Filosofía Barata...") y continuó con "Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada.
El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.
La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.
En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92"), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.
En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.
Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta.
Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.
Sumo - Viejos Vinagres
Sumo
Que lio se armo cuando aparecio este tema. Los mayores hablaban de una falta de respeto cuando la juventud tarareaba "Estoy rodeado de viejos vinagres, todo alrederdor". Alguno aprovechaba y se lo cantaba a los profesores, que controlaban las estudiantinas y los bailes en el Colegio, sobre todo la barra, cuando no querian vender la sangria en las latas de aceite para autos, que juntaban en las estaciones de servicio, no?. El que diga que no se corto alguna vez los labios, con el borde, nunca tomo esa elemental bebida colegial.Hagan memoria, vamosss
Alejandro Sokol: batería
Diego Arnedo: bajo
Germán Daffunchio: guitarra
Luca Prodan: voz
Roberto Pettinato: saxo
Sumo nació y murió con Luca Prodan. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca estudió en Escocia y vivió toda la década de los '70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de un amigo que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, sin hablar ni una sola palabra de español y planeando comprar vacas con todos sus ahorros. Al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad y se mudó a Buenos Aires. Concretamente a la localidad de Hurlingham.
Con un grupo de amigos tomaron la iniciativa y gastaron toda la plata en equipos: Germán Daffunchio tocaría la guitarra; Alejandro Sokol el bajo y Stephanie Nuttal, una amiga inglesa, la batería. Sumo se formó en 1981 y debutó en febrero de 1982 en el Pub Caroline's de El Palomar.
Su primera actuación importante se llevó a cabo en el Festival Rock del Sol a la Luna, en las instalaciones del Club Estudiantes de Buenos Aires en Caseros, el 20 de marzo de 1982. Del mismo participaron Riff, Juan Carlos Baglietto, Orions y Los Violadores. Asistieron unas 20.000 personas. Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo. Roberto Pettinato, director de la revista "El Expreso Imaginario" fue invitado también para algunos shows, y quedó.
Tras un ciclo en el Bar Einstein y luego de grandes actuaciones en el Stud Free Pub y en Zero la banda logró, junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, ponerse a la cabeza del incipiente movimiento underground de nuestro país. Pero Luca regresó a Inglaterra, y muchos creyeron que ya no volvería. Sin embargo, el 17 de agosto de 1984 volvieron a tocar en el Auditorio Buenos Aires. Interpretaron viejos hits de la banda, algunos temas nuevos y una versión reggae de "Cambalache". La formación incluía a Luca, Arnedo y Petinatto con los nuevos Alberto Superman Troglio (batería) y Ricardo Mollo (guitarra).
El mismo Luca Prodan hace un resumen de la carrera underground de la banda: «En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Y Fargo -que hoy es el guitarrista de los Redonditos de Ricota- era el violero de la Hurlingham. Después se unieron los dos grupos otra vez, Fargo se fue con Patricio Rey, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro» (G.Guerrero, pág 115).
El debut discográfico se produjo en 1985 con Divididos por la felicidad, presentado en el Teatro Astros en mayo, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado "Corpiños en la madrugada", y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit fue "La rubia tarada" (cuyo título original era "Una noche en New York City"). Vendieron unas 15.000 copias.
La segunda placa fue "Llegando los monos" (1986), presentada en Capital con un Obras en agosto. En esa oportunidad, se grabó lo que sería el video "Sumo en Obras", de 55 minutos de duración que contiene, entre otros, los temas "Gaitas", "Heroína", "Divididos por la felicidad", "F'you", "Viejos Vinagres" y "Mejor no hablar (de ciertas cosas)". Cerraron el año con un show en Cemento.
Casi un año después regresaron a los estudios, para registrar su tercer álbum, "After chabón", que también fuera presentado en en el estadio Obras. Sobresalen las canciones "Mañana en el abasto" y "Lo quiero ya". Este disco lo presentaron el 10 de octubre en el Estadio de Obras ante 4.000 personas, pero la salud de Luca ya no estaba bien.
La última actuación del grupo con Luca se realizó el 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andes, junto a Los Violadores. El 22 de diciembre de 1987 Luca Prodan fue encontrado muerto, víctima de un paro cardíaco y una cirrosis hepática. La despedida emocionada de Sumo fue en el Chateau Rock de 1988. Allí, Pettinatto y Mollo se alternaron frente al micrófono para rendirle homenaje al alma mater de la banda de la única forma posible: tocando rocanrol.
En 1988 comenzaron a circular unos cassettes semipiratas, con temas y ensayos que habían sido grabados directamente en el portaestudio de Luca. Al año siguiente, el sello CBS lanzó "Fiebre", con las canciones que hubiesen integrado el siguiente disco de Sumo.
Dos recopilaciones oficiales salieron a la calle en 1991: "Collection" y "Grandes Exitos". Desde el mismo día de su entierro, cientos de fans visitan su sepultura en el cementerio de Avellaneda. Los homenajes van desde la clásica pintada "Luca Not Dead" hasta enterrar por el pico una botella de ginebra. La mayor convocatoria se da en el aniversario de su muerte.
En mayo de 1995 se lanzó "Fuck You", un disco doble homenaje a Sumo, en el cual participaron Lethal, Los Pericos, Los Auténticos Decadentes, A.N.I.M.A.L., Pedro Aznar, Diego Torres y Attaque 77, entre otros.
Dos grupos derivaron de Sumo: Divididos (con Arnedo y Mollo) y Las Pelotas (Daffunchio / Sokol).
Que lio se armo cuando aparecio este tema. Los mayores hablaban de una falta de respeto cuando la juventud tarareaba "Estoy rodeado de viejos vinagres, todo alrederdor". Alguno aprovechaba y se lo cantaba a los profesores, que controlaban las estudiantinas y los bailes en el Colegio, sobre todo la barra, cuando no querian vender la sangria en las latas de aceite para autos, que juntaban en las estaciones de servicio, no?. El que diga que no se corto alguna vez los labios, con el borde, nunca tomo esa elemental bebida colegial.Hagan memoria, vamosss
Alejandro Sokol: batería
Diego Arnedo: bajo
Germán Daffunchio: guitarra
Luca Prodan: voz
Roberto Pettinato: saxo
Sumo nació y murió con Luca Prodan. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca estudió en Escocia y vivió toda la década de los '70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de un amigo que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, sin hablar ni una sola palabra de español y planeando comprar vacas con todos sus ahorros. Al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad y se mudó a Buenos Aires. Concretamente a la localidad de Hurlingham.
Con un grupo de amigos tomaron la iniciativa y gastaron toda la plata en equipos: Germán Daffunchio tocaría la guitarra; Alejandro Sokol el bajo y Stephanie Nuttal, una amiga inglesa, la batería. Sumo se formó en 1981 y debutó en febrero de 1982 en el Pub Caroline's de El Palomar.
Su primera actuación importante se llevó a cabo en el Festival Rock del Sol a la Luna, en las instalaciones del Club Estudiantes de Buenos Aires en Caseros, el 20 de marzo de 1982. Del mismo participaron Riff, Juan Carlos Baglietto, Orions y Los Violadores. Asistieron unas 20.000 personas. Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo. Roberto Pettinato, director de la revista "El Expreso Imaginario" fue invitado también para algunos shows, y quedó.
Tras un ciclo en el Bar Einstein y luego de grandes actuaciones en el Stud Free Pub y en Zero la banda logró, junto a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, ponerse a la cabeza del incipiente movimiento underground de nuestro país. Pero Luca regresó a Inglaterra, y muchos creyeron que ya no volvería. Sin embargo, el 17 de agosto de 1984 volvieron a tocar en el Auditorio Buenos Aires. Interpretaron viejos hits de la banda, algunos temas nuevos y una versión reggae de "Cambalache". La formación incluía a Luca, Arnedo y Petinatto con los nuevos Alberto Superman Troglio (batería) y Ricardo Mollo (guitarra).
El mismo Luca Prodan hace un resumen de la carrera underground de la banda: «En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado. Y Fargo -que hoy es el guitarrista de los Redonditos de Ricota- era el violero de la Hurlingham. Después se unieron los dos grupos otra vez, Fargo se fue con Patricio Rey, yo me fui a Europa, y cuando volví con Sumo comenzamos a hacer temas de la Hurlingham... Ahora Sumo es medio reggae y medio pesado. En fin: medio raro» (G.Guerrero, pág 115).
El debut discográfico se produjo en 1985 con Divididos por la felicidad, presentado en el Teatro Astros en mayo, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado "Corpiños en la madrugada", y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit fue "La rubia tarada" (cuyo título original era "Una noche en New York City"). Vendieron unas 15.000 copias.
La segunda placa fue "Llegando los monos" (1986), presentada en Capital con un Obras en agosto. En esa oportunidad, se grabó lo que sería el video "Sumo en Obras", de 55 minutos de duración que contiene, entre otros, los temas "Gaitas", "Heroína", "Divididos por la felicidad", "F'you", "Viejos Vinagres" y "Mejor no hablar (de ciertas cosas)". Cerraron el año con un show en Cemento.
Casi un año después regresaron a los estudios, para registrar su tercer álbum, "After chabón", que también fuera presentado en en el estadio Obras. Sobresalen las canciones "Mañana en el abasto" y "Lo quiero ya". Este disco lo presentaron el 10 de octubre en el Estadio de Obras ante 4.000 personas, pero la salud de Luca ya no estaba bien.
La última actuación del grupo con Luca se realizó el 20 de diciembre de 1987 en la cancha del Club Atlético Los Andes, junto a Los Violadores. El 22 de diciembre de 1987 Luca Prodan fue encontrado muerto, víctima de un paro cardíaco y una cirrosis hepática. La despedida emocionada de Sumo fue en el Chateau Rock de 1988. Allí, Pettinatto y Mollo se alternaron frente al micrófono para rendirle homenaje al alma mater de la banda de la única forma posible: tocando rocanrol.
En 1988 comenzaron a circular unos cassettes semipiratas, con temas y ensayos que habían sido grabados directamente en el portaestudio de Luca. Al año siguiente, el sello CBS lanzó "Fiebre", con las canciones que hubiesen integrado el siguiente disco de Sumo.
Dos recopilaciones oficiales salieron a la calle en 1991: "Collection" y "Grandes Exitos". Desde el mismo día de su entierro, cientos de fans visitan su sepultura en el cementerio de Avellaneda. Los homenajes van desde la clásica pintada "Luca Not Dead" hasta enterrar por el pico una botella de ginebra. La mayor convocatoria se da en el aniversario de su muerte.
En mayo de 1995 se lanzó "Fuck You", un disco doble homenaje a Sumo, en el cual participaron Lethal, Los Pericos, Los Auténticos Decadentes, A.N.I.M.A.L., Pedro Aznar, Diego Torres y Attaque 77, entre otros.
Dos grupos derivaron de Sumo: Divididos (con Arnedo y Mollo) y Las Pelotas (Daffunchio / Sokol).
Los Abuelos de la Nada - Sin Gamulan
Sin dudas,una de las canciones mas romanticas y con mucha poesia es este tema.
Tema infaltables en los bailes del Colegio, para bailarlo bajo la bocha espejada y la mangueras con luces, manejadas por audiorritmicos... Sin Gamulan, para ustedes
Los Abuelos de la Nada
Andrés Calamaro: teclados
Cachorro López: bajo
Daniel Melingo: saxo
Gustavo Bazterrica: guitarra
Miguel Abuelo: voz
Polo Corbella: batería
Este grupo tuvo origen en La Cueva por iniciativa de Miguel Abuelo y Pipo Lernoud. En realidad, recorrieron el camino inverso que cualquiera de las bandas de la época.
Abuelo acompañó a Lernoud a la compañía discográfica y, repentinamente, el manager le preguntó si él también tenía su grupo. Ahí nomás, Abuelo inventó el nombre y acordó grabar a los tres meses. Debió, entonces, encontrar los músicos que lo secundaran.
El guitarrista Claudio Gabis no aceptó unirse a Los Abuelos porque ya estaba ensayando con Manal, pero sí accedió a grabar con ellos. Luego entraría Norberto Pappo Napolitano como guitarrista estable.
Esa primera formación quedaría integrada, entonces, con Miguel Abuelo (voz), Héctor "Pomo" Lorenzo (batería), Alberto Lara (bajo), Micky Lara (guitarra), Eduardo "Mayoneso" Fanacoa (teclados) y Pappo (guitarra).
El simple que lograron grabar incluía "Diana Divaga" y "Tema en flu sobre el planeta", pero el disco no se editó, sino que solamente tuvo alguna pobre difusión en radios. A los pocos meses, por "diferencias musicales", la agrupación decide disolverse. Abuelo se radicó en España y Pappo continuó un tiempo al frente del grupo, con una inclinación más hacia el blues.
Junto a Cachorro Lopez, Miguel Abuelo regresa a la Argentina en 1979 y comienza la segunda etapa de Los Abuelos. Graban unos demos en 1981 y consiguen muchísima difusión en las radios. Editan "Guindilla ardiente" y "Mundos in mundos", dos simples.
Sin dudas hay que remarcar la presencia de Andrés Calamaro en la banda, por entonces casi un adolescente que estaba a punto de formar una banda con Zeta Bosio cuando lo llamó Abuelo. Calamaro arrimó el sonido del grupo hacia el pop y el new wave de los 80, y compuso y cantó los que tal vez sean los dos éxitos más importantes del grupo: "Sin Gamulán" y "Mil Horas".
El primer álbum ("Los Abuelos de la Nada", 1982) fue producido por Charly García, mientras éste componía Pubis Angelical. Contenía hits que se convertirían en clásicos: "Sin gamulán" y "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí". El mismo García apadrinó el show presentación en el teatro Coliseo, en el cual tuvieron tanto éxito que los animó a iniciar una gira por el interior, que no pararía hasta fines de ese mismo año. La amistad de la banda con Charly terminaría por dar grandes resultados: los invitó a participar, como grupo soporte, de su presentación en Ferro, en diciembre de 1982, junto a Suéter.
El primer Obras llegó en junio del '83, donde adelantaron material: "Espía de Dios", "No se desesperen" y "Sor Teresa". Estos temas se incluirían en la segunda placa, "Vasos y Besos", que se editaría a fines de ese año. El crecimiento de la banda quedaría demostrado con el show en el estadio de Velez, "descorchando el '84 con Vasos y Besos", sólo un diciembre después de la invitación de García a telonearlo.
El tercer disco, "Himno de mi corazón" (1984) fue presentado en el Teatro Coliseo, en diciembre. Sin Melingo ni Bazterrica y con Afredo Desiata y Gringui Herrera en reemplazo, registraron los conciertos del Teatro Opera para sacar un disco en vivo.
En noviembre de 1985 se presentaron en el Festival Buenos Aires Rock & Pop, junto a Charly García, Nina Hagen, INXS y Fito Páez. El show sufrió muchos problemas de organización, lluvia torrencial e inoportunos cortes de luz. En el campo de juego, la violencia entre el público se incrementaba por las demoras. Miguel Abuelo cerró el show entonando "Himno de mi corazón", con la cara ensangrentada por un botellazo que había recibido.
Para el último trabajo discográfico de Los Abuelos ("Cosas mías", 1986) ya la banda era distinta: Abuelo (voz), Kubero Díaz (guitarra), Juan Del Barrio (teclados), Marcelo Fogo (bajo) y Polo Corbella (batería).
Con esta formación brindaron varios recitales, pero la convocatoria había descendido considerablemente. La agrupación se disolvió definitivamente a fines del '86. Miguel Abuelo murió de sida el 26 de marzo de 1988.
Cachorro López editó dos recopilaciones (en 1994 y 1995) con remasterizaciones y una versión bailable de "Marinero Bengalí".
Tema infaltables en los bailes del Colegio, para bailarlo bajo la bocha espejada y la mangueras con luces, manejadas por audiorritmicos... Sin Gamulan, para ustedes
Los Abuelos de la Nada
Andrés Calamaro: teclados
Cachorro López: bajo
Daniel Melingo: saxo
Gustavo Bazterrica: guitarra
Miguel Abuelo: voz
Polo Corbella: batería
Este grupo tuvo origen en La Cueva por iniciativa de Miguel Abuelo y Pipo Lernoud. En realidad, recorrieron el camino inverso que cualquiera de las bandas de la época.
Abuelo acompañó a Lernoud a la compañía discográfica y, repentinamente, el manager le preguntó si él también tenía su grupo. Ahí nomás, Abuelo inventó el nombre y acordó grabar a los tres meses. Debió, entonces, encontrar los músicos que lo secundaran.
El guitarrista Claudio Gabis no aceptó unirse a Los Abuelos porque ya estaba ensayando con Manal, pero sí accedió a grabar con ellos. Luego entraría Norberto Pappo Napolitano como guitarrista estable.
Esa primera formación quedaría integrada, entonces, con Miguel Abuelo (voz), Héctor "Pomo" Lorenzo (batería), Alberto Lara (bajo), Micky Lara (guitarra), Eduardo "Mayoneso" Fanacoa (teclados) y Pappo (guitarra).
El simple que lograron grabar incluía "Diana Divaga" y "Tema en flu sobre el planeta", pero el disco no se editó, sino que solamente tuvo alguna pobre difusión en radios. A los pocos meses, por "diferencias musicales", la agrupación decide disolverse. Abuelo se radicó en España y Pappo continuó un tiempo al frente del grupo, con una inclinación más hacia el blues.
Junto a Cachorro Lopez, Miguel Abuelo regresa a la Argentina en 1979 y comienza la segunda etapa de Los Abuelos. Graban unos demos en 1981 y consiguen muchísima difusión en las radios. Editan "Guindilla ardiente" y "Mundos in mundos", dos simples.
Sin dudas hay que remarcar la presencia de Andrés Calamaro en la banda, por entonces casi un adolescente que estaba a punto de formar una banda con Zeta Bosio cuando lo llamó Abuelo. Calamaro arrimó el sonido del grupo hacia el pop y el new wave de los 80, y compuso y cantó los que tal vez sean los dos éxitos más importantes del grupo: "Sin Gamulán" y "Mil Horas".
El primer álbum ("Los Abuelos de la Nada", 1982) fue producido por Charly García, mientras éste componía Pubis Angelical. Contenía hits que se convertirían en clásicos: "Sin gamulán" y "No te enamores nunca de aquel marinero bengalí". El mismo García apadrinó el show presentación en el teatro Coliseo, en el cual tuvieron tanto éxito que los animó a iniciar una gira por el interior, que no pararía hasta fines de ese mismo año. La amistad de la banda con Charly terminaría por dar grandes resultados: los invitó a participar, como grupo soporte, de su presentación en Ferro, en diciembre de 1982, junto a Suéter.
El primer Obras llegó en junio del '83, donde adelantaron material: "Espía de Dios", "No se desesperen" y "Sor Teresa". Estos temas se incluirían en la segunda placa, "Vasos y Besos", que se editaría a fines de ese año. El crecimiento de la banda quedaría demostrado con el show en el estadio de Velez, "descorchando el '84 con Vasos y Besos", sólo un diciembre después de la invitación de García a telonearlo.
El tercer disco, "Himno de mi corazón" (1984) fue presentado en el Teatro Coliseo, en diciembre. Sin Melingo ni Bazterrica y con Afredo Desiata y Gringui Herrera en reemplazo, registraron los conciertos del Teatro Opera para sacar un disco en vivo.
En noviembre de 1985 se presentaron en el Festival Buenos Aires Rock & Pop, junto a Charly García, Nina Hagen, INXS y Fito Páez. El show sufrió muchos problemas de organización, lluvia torrencial e inoportunos cortes de luz. En el campo de juego, la violencia entre el público se incrementaba por las demoras. Miguel Abuelo cerró el show entonando "Himno de mi corazón", con la cara ensangrentada por un botellazo que había recibido.
Para el último trabajo discográfico de Los Abuelos ("Cosas mías", 1986) ya la banda era distinta: Abuelo (voz), Kubero Díaz (guitarra), Juan Del Barrio (teclados), Marcelo Fogo (bajo) y Polo Corbella (batería).
Con esta formación brindaron varios recitales, pero la convocatoria había descendido considerablemente. La agrupación se disolvió definitivamente a fines del '86. Miguel Abuelo murió de sida el 26 de marzo de 1988.
Cachorro López editó dos recopilaciones (en 1994 y 1995) con remasterizaciones y una versión bailable de "Marinero Bengalí".
Al Corley - Square Rooms
Exito indiscutido que aparecio en uno de los discos de la epoca, un disco variado, con una version corta,pronto tuvo aceptacion por su ritmo y por si pegadzo estribillo (ooooo) parece que era muy utilizado en los 80.
Al Corley (22 de mayo de 1956, Wichita, Kansas) es un cantante, actor y productor de cine estadounidense.
Corley es muy conocido por ser el primer actor en interpretar a Steven Carrington en la serie Dynasty. Después de ello, Corley actuó en catorce películas para después producir cinco más.
También fue conocido como un cantante en la década de 1980. Su sencillo de 1984 Square Rooms se convirtió en un número uno en la lista de éxitos francesa. Grabó un total de tres álbumes.
Actualmente, Corley vive en Pacific Palisades con su madre, Dorothy, y sus dos hijos, Ruby y Clyde.
Al Corley (22 de mayo de 1956, Wichita, Kansas) es un cantante, actor y productor de cine estadounidense.
Corley es muy conocido por ser el primer actor en interpretar a Steven Carrington en la serie Dynasty. Después de ello, Corley actuó en catorce películas para después producir cinco más.
También fue conocido como un cantante en la década de 1980. Su sencillo de 1984 Square Rooms se convirtió en un número uno en la lista de éxitos francesa. Grabó un total de tres álbumes.
Actualmente, Corley vive en Pacific Palisades con su madre, Dorothy, y sus dos hijos, Ruby y Clyde.
Chris the Burg - Lady in red
Al final,Pepo tenia razon, Chris de Burgh era argentino. Esto fue motivos de varias cargadas y bueno, mas de 20 años pasaron para que la teoria se reafirmara. Este cantante tiene varios temas,por ahi, a mi cirterio, mejores que "Lady in red", pero no me pondre en contra de la popular... Lady in red para ustedes
Chris de Burgh nació en Buenos Aires (Argentina) en 1948. En el panorama musical norteamericano y europeo su mayor éxito fue The Lady in Red. Fue nº 1 en el Reino Unido y nº 3 en Billboard.
En Latinoamérica su popularidad llevaba unos años más de consolidación, gracias a temas como Flying. Road to freedom (2004) es su último trabajo hasta el momento.
Pop, comercial, cursi, meloso, rítmico y con algunas genialidades que lo colocan como hacedor de un pop comercial, sí, pero bien hecho, de mucha calidad..
En su contraparte existen algunos conceptos creativos como el álbum "Spanish Train and Other Stories" donde hay una canción muy buena en donde Dios y el Diablo se juegan almas de mortales en una partida de ajedrez, y "Crusader", un disco en el que la influencia y el sonido progresivos están presentes.
Por supuesto que de Burgh no es un artista progresivo, al menos en el estricto sentido de la palabra, pues en su música se nota algo que quiere trascender y no quedarse en la popularidad total.
Chris de Burgh nació en Buenos Aires (Argentina) en 1948. En el panorama musical norteamericano y europeo su mayor éxito fue The Lady in Red. Fue nº 1 en el Reino Unido y nº 3 en Billboard.
En Latinoamérica su popularidad llevaba unos años más de consolidación, gracias a temas como Flying. Road to freedom (2004) es su último trabajo hasta el momento.
Pop, comercial, cursi, meloso, rítmico y con algunas genialidades que lo colocan como hacedor de un pop comercial, sí, pero bien hecho, de mucha calidad..
En su contraparte existen algunos conceptos creativos como el álbum "Spanish Train and Other Stories" donde hay una canción muy buena en donde Dios y el Diablo se juegan almas de mortales en una partida de ajedrez, y "Crusader", un disco en el que la influencia y el sonido progresivos están presentes.
Por supuesto que de Burgh no es un artista progresivo, al menos en el estricto sentido de la palabra, pues en su música se nota algo que quiere trascender y no quedarse en la popularidad total.
Trans X - Living in video
Seguimos con la buena musica Italo Disco. Si bien no se tienen muchos datos de Trans X,se puede decir que es uno de los clasicos bolicheros de los 80. Presten atencion a las computadoras y la moda que se venia, todos robots con aspecto humano, ya se soñaba con toda esta historia, en la actualidad, mas creible... Tampoco soy tan viejo che para dar estas explicaciones, explico el video para que los hijos de POPE, entiendan ya que visitan todos los dias la pagina. Chauuu
Righeira - Vamos a la playa - No tengo dinero
Otro producto de la musica Italo Disco. Sonaba en las mejores fiestas paceñas,el "Vamos a la playa, ooooo" y "No tengo dinero, oooo", coreado por todos, hacia que todos bailaran con estos dos temas. Lo recordas?
Righeira es un dúo italiano de música Italo Disco. El grupo fue fundado en 1981 por Stefano Rota y Stefano Righi. Se volvieron famosos en Europa con su sencillo "Vamos a la playa" (1983).
Un año después el éxito volvió a aparecerse ante ellos con el sencillo "No tengo dinero" (1984). Ambas canciones fueron famosas en los ránkings. "L`estate sta finendo" ("El verano se acabó", 1985), otro sencillo lanzado en 1985 fue un número uno en Italia, pero no llegó a los ránkings internacionales.
En 1986 la banda participó del Festival de San Remo con su canción "Innamoratissimo" ("Enamoradísimo", 1986), quedando en el 15º lugar.
Righeira es un dúo italiano de música Italo Disco. El grupo fue fundado en 1981 por Stefano Rota y Stefano Righi. Se volvieron famosos en Europa con su sencillo "Vamos a la playa" (1983).
Un año después el éxito volvió a aparecerse ante ellos con el sencillo "No tengo dinero" (1984). Ambas canciones fueron famosas en los ránkings. "L`estate sta finendo" ("El verano se acabó", 1985), otro sencillo lanzado en 1985 fue un número uno en Italia, pero no llegó a los ránkings internacionales.
En 1986 la banda participó del Festival de San Remo con su canción "Innamoratissimo" ("Enamoradísimo", 1986), quedando en el 15º lugar.
Lipps Inc - Funkytown
Si bien, como dice el texto es un tema de finales de los 70, es considerado como uno de los temas de principio de los 80, por eso se lo incluye en la mejor decada musical de la historia. Aca les dejo el unico exito que tuvo este grupo.
Ahora lo usan de tono en celulares...
Era finales de los setentas, y la música disco estaba en todo su furor, pero las cosas estaban por cambiar, el gusto de la gente estaba cambiando, ya se habían aburrido de la música disco, y justo fue en ese momento que apareció Lipps Inc.
Lipps Inc (se pronuncia "lip sync") fue una banda de estudio que tuvo un solo éxito, "Funkytown" en 1979. Esta canción fue la última canción disco en llegar aser número 1 en Estados Unidos.
El grupo fue formado en Minneapolis por Steven Greenberg, quien escribió y produjo toda la música del grupo, y que además tocaba varios instrumentos musicales.
La cantante principal era Cynthia Johnson, y el resto del grupo consistía en un grupo cambiante de músicos invitados.
Su éxito "Funkytown" pasó 4 semanas como número 1 en la lista pricipal de Billboard y en la lista de Baile (Hot Dance/Club Play). Llegando a conseguir un disco de platino. También alcanzó el puesto 2 en Inglaterra y fue un éxito en todo el mundo, llegando a ser numero 1 en Australia, Canada, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda, Noruega, España y Alemania Occidental, y en varios países de Latinoamérica.
Sus siguientes canciones fueron fracasos totales, incluso su unica otra canción que logró entras a la lista de Billboard, "Rock It", solo llegó al número 64.
El grupo dejó de grabar en 1983.
En 1986 la banda australiana Pseudo Echo hizo un cover de la canción, cambiando el estilo de música electrónica de los setentas a música rock de los ochentas, y también logró un gran éxito, llegando a estar 7 semanas en primer lugar en Australia y entrar al "top ten" de Billboard.
Ahora lo usan de tono en celulares...
Era finales de los setentas, y la música disco estaba en todo su furor, pero las cosas estaban por cambiar, el gusto de la gente estaba cambiando, ya se habían aburrido de la música disco, y justo fue en ese momento que apareció Lipps Inc.
Lipps Inc (se pronuncia "lip sync") fue una banda de estudio que tuvo un solo éxito, "Funkytown" en 1979. Esta canción fue la última canción disco en llegar aser número 1 en Estados Unidos.
El grupo fue formado en Minneapolis por Steven Greenberg, quien escribió y produjo toda la música del grupo, y que además tocaba varios instrumentos musicales.
La cantante principal era Cynthia Johnson, y el resto del grupo consistía en un grupo cambiante de músicos invitados.
Su éxito "Funkytown" pasó 4 semanas como número 1 en la lista pricipal de Billboard y en la lista de Baile (Hot Dance/Club Play). Llegando a conseguir un disco de platino. También alcanzó el puesto 2 en Inglaterra y fue un éxito en todo el mundo, llegando a ser numero 1 en Australia, Canada, Dinamarca, Holanda, Nueva Zelanda, Noruega, España y Alemania Occidental, y en varios países de Latinoamérica.
Sus siguientes canciones fueron fracasos totales, incluso su unica otra canción que logró entras a la lista de Billboard, "Rock It", solo llegó al número 64.
El grupo dejó de grabar en 1983.
En 1986 la banda australiana Pseudo Echo hizo un cover de la canción, cambiando el estilo de música electrónica de los setentas a música rock de los ochentas, y también logró un gran éxito, llegando a estar 7 semanas en primer lugar en Australia y entrar al "top ten" de Billboard.
Limahl - La Historia interminable (Sin fin) o como quieran...
Para los que no recuerdan la pelicula, era la del perro gigante y un mundo de fantasias. Tema que sonaba como hit y era cantado que se venian los lentos en breve.
Vale el recuerdo de este tema, que fue uno de los tantos , en la decada de los 80
Christopher Hamill nació el 19 de diciembre de 1958 en Lancashire, Inglaterra (Gran Bretaña).
En un principio se decantó por la carrera de actor, interviniendo en varias representaciones teatrales, aunque pronto encontró su verdadera vocación en la música.
Con el seudónimo de Limahl (una alteración con las letras de su apellido), en 1982 se presentó a una audición para ser el vocalista del grupo "Kajagoogoo". Finalmente fue seleccionado y conformó la banda junto a Steve Askew (guitarra), Nick Beggs (bajo/coros) y Stuart Crawford (sintetizador/coros). Ese mismo año grabaron su primer disco "White Feathers", bajo la batuta Nick Rhodes, componente del grupo "Duran Duran".
Al año siguiente se dieron a conocer con el single "Too Shy", un tema techno muy en la línea de las tendencias musicales del momento que se convirtió en número 1 en Gran Bretaña, permaneciendo también 5 semanas en el Top 5 norteamericano. Posteriormente se extrajeron otros singles del mismo álbum que tuvieron un éxito más discreto como "Ooh to Be Ah" y "Hang on Now".
En 1984 Limahl abandonó el grupo para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituido por Nick Beggs como vocalista.
El artista compuso junto a Giorgio Moroder el tema "The Neverending Story", una estupenda canción perteneciente a la banda sonora de la exitosa película "La historia interminable" (1984), que entró en el Top 5 de Gran Bretaña.
Dos años más tarde volvió a colaborar con Moroder, que produjo su álbum " Colour All My Days", un trabajo que pasó totalmente desapercibido.
Pasaron varios años hasta que en 1992 volvió a grabar un nuevo disco, "Love is Blind", que tuvo cierta aceptación en Alemania y Japón, mientras que en 1998 se lanzó al mercado su "Greatest Hits".
Con la llegada de la nueva década y animado por la nostalgia hacia las bandas de los años 80, comenzó una gira por Gran Bretaña en el invierno de 2000. En 2004, se unió al resto de ex-componentes de "Kajagoogoo" para dar un único concierto perteneciente al programa "Bands Reunited" del canal musical VH1.
Vale el recuerdo de este tema, que fue uno de los tantos , en la decada de los 80
Christopher Hamill nació el 19 de diciembre de 1958 en Lancashire, Inglaterra (Gran Bretaña).
En un principio se decantó por la carrera de actor, interviniendo en varias representaciones teatrales, aunque pronto encontró su verdadera vocación en la música.
Con el seudónimo de Limahl (una alteración con las letras de su apellido), en 1982 se presentó a una audición para ser el vocalista del grupo "Kajagoogoo". Finalmente fue seleccionado y conformó la banda junto a Steve Askew (guitarra), Nick Beggs (bajo/coros) y Stuart Crawford (sintetizador/coros). Ese mismo año grabaron su primer disco "White Feathers", bajo la batuta Nick Rhodes, componente del grupo "Duran Duran".
Al año siguiente se dieron a conocer con el single "Too Shy", un tema techno muy en la línea de las tendencias musicales del momento que se convirtió en número 1 en Gran Bretaña, permaneciendo también 5 semanas en el Top 5 norteamericano. Posteriormente se extrajeron otros singles del mismo álbum que tuvieron un éxito más discreto como "Ooh to Be Ah" y "Hang on Now".
En 1984 Limahl abandonó el grupo para iniciar su carrera en solitario, siendo sustituido por Nick Beggs como vocalista.
El artista compuso junto a Giorgio Moroder el tema "The Neverending Story", una estupenda canción perteneciente a la banda sonora de la exitosa película "La historia interminable" (1984), que entró en el Top 5 de Gran Bretaña.
Dos años más tarde volvió a colaborar con Moroder, que produjo su álbum " Colour All My Days", un trabajo que pasó totalmente desapercibido.
Pasaron varios años hasta que en 1992 volvió a grabar un nuevo disco, "Love is Blind", que tuvo cierta aceptación en Alemania y Japón, mientras que en 1998 se lanzó al mercado su "Greatest Hits".
Con la llegada de la nueva década y animado por la nostalgia hacia las bandas de los años 80, comenzó una gira por Gran Bretaña en el invierno de 2000. En 2004, se unió al resto de ex-componentes de "Kajagoogoo" para dar un único concierto perteneciente al programa "Bands Reunited" del canal musical VH1.
Duran Duran - Serious
Finales del 89, ya casi pisando los 90, se difundia este tema de los "chicos lindos", como se los llamaba a :
Simon Le Bon - Voz
Nick Rhodes - Teclados
John Taylor - Bajo
Warren Cuccurullo - Guitarra
Sterling Campbell - Batería
Simon Le Bon - Voz
Nick Rhodes - Teclados
John Taylor - Bajo
Warren Cuccurullo - Guitarra
Sterling Campbell - Batería
Queen - Radio Ga Ga (En vivo)
¿¿¿Que decir??? mejor escuchar y ver esta version de Radio Ga Ga,grabada el 13 de Julio de 1985
George Michael - Somebody to love - Everytime you go away
En una de las primeras entradas que hice en esta pagina, ya puse datos de este impresionate cantante pop. En estos videos podran ver la calidad vocal de este ingles, que todos conocemos. "Somebody To Love"(Live)de otro gran cantante Freddy Mercury en un tributo que se realizo en el año 1992.
George Michael es un cantautor inglés. Nació el 25 de junio de 1963 en East Finchley, Londres, Inglaterra. Su verdadero nombre es Giorgios Kyriacos Panayiotou. Su padre es grecochipriota y su madre es inglesa.
George Michael es uno de los músicos más famosos en las últimas décadas, tanto por su talento como por sus escándalos relacionados con su vida sexual. Inició su carrera musical en Inglaterra a comienzos de los ochenta. Se dedica principalmente a la música pop.
George comenzó su carrera formando una banda llamada The Executive con su mejor amigo Andrew Ridgeley, compañero de la Bushey Meads School.
No fue sino hasta que formó el dúo Wham! con Ridgeley en 1981 que el éxito llegó a la banda. Su primer albúm, Fantastic!, fue un éxito instantáneo, y después de un año, lanzaron su sencillo debút Wham Rap! (Enjoy What You Do), mientras que su segundo sencillo, Young Guns (Go For It), obtuvo gran éxito en las listas de éxitos del Reino Unido. Rápidamente se hicieron famosos por canciones como Bad Boys, Club Tropicana, Wake Me Up Before You Go Go, Freedom, Last Christmas/Everything She Wants y I'm Your Man
George Michael es el unico que puede cantar esta cancion, porque Freddy Mercury, sin ser cantante lírico, llegaba muy alto en sus tonos.Como uds. veran, si ven todo el live de este tributo, hay muchas cantantes mujeres, haciendo las canciones, que algunos otros cantantes hombres muy famosos por cierto, no llegan.Live from Freddy Mercury tribute,Wembley Stadium,London,UK.20.04.1992
George Michael es un cantautor inglés. Nació el 25 de junio de 1963 en East Finchley, Londres, Inglaterra. Su verdadero nombre es Giorgios Kyriacos Panayiotou. Su padre es grecochipriota y su madre es inglesa.
George Michael es uno de los músicos más famosos en las últimas décadas, tanto por su talento como por sus escándalos relacionados con su vida sexual. Inició su carrera musical en Inglaterra a comienzos de los ochenta. Se dedica principalmente a la música pop.
George comenzó su carrera formando una banda llamada The Executive con su mejor amigo Andrew Ridgeley, compañero de la Bushey Meads School.
No fue sino hasta que formó el dúo Wham! con Ridgeley en 1981 que el éxito llegó a la banda. Su primer albúm, Fantastic!, fue un éxito instantáneo, y después de un año, lanzaron su sencillo debút Wham Rap! (Enjoy What You Do), mientras que su segundo sencillo, Young Guns (Go For It), obtuvo gran éxito en las listas de éxitos del Reino Unido. Rápidamente se hicieron famosos por canciones como Bad Boys, Club Tropicana, Wake Me Up Before You Go Go, Freedom, Last Christmas/Everything She Wants y I'm Your Man
George Michael es el unico que puede cantar esta cancion, porque Freddy Mercury, sin ser cantante lírico, llegaba muy alto en sus tonos.Como uds. veran, si ven todo el live de este tributo, hay muchas cantantes mujeres, haciendo las canciones, que algunos otros cantantes hombres muy famosos por cierto, no llegan.Live from Freddy Mercury tribute,Wembley Stadium,London,UK.20.04.1992
Opus - Live is life - Flying High
Quien no se apuro a bailar este tema que sonaba cuando se largaba la fiesta o para levantar de los lentos? Todos con las manos arriba, haciendo palmas y cantando "Live is Life" o cuando sonaba "Flying High",lento que servia para decir cosas romanticas al oido de la chica en cuestion o entablar alguna conversacion con esa chica que no habia forma de sacarle alguna palabra, jajaja. A recordar con estos temas, clasicos de los 80.
La version de "Flying High" esta interpretada , en una version inedita, por Falco. Rarezas, no?
Opus se formo en Austria en el 73, originalmente por Kurt Rene Plisnier (teclados), Former “Sängerknabe” Walter Bachkönig (bajo), y Ewald Pfleger (guitarras). En esa época la banda hacia sus clásicas sesiones en un garaje. Practicaban con clásicos de Deep Purple y Colloseum, y firmaron sus primeras composiciones como Opus Null.
Hicieron versiones rock de “Die Kleine Nachtmusik” y “Der Säbeltanz“. Estos temas son parte del repertorio de sus primeros conciertos en Burgenland y Styria.
En el 79 aparece Herwig Rüdisser por medio de un aviso y en ese preciso momento nace el sonido que llevara la banda al éxito. Firman su primer contrato en el 80 y producen su primer LP llamado Daydreams bajo el sello Phonogramm.
In 1981 el single Eleven y Flying High es un hit en Austria. El sello AMA se apodera de Opus y en esa misma época tocan junto a Christopher Cross y Lou Reed en un concierto en ¨el¨ The Arena die Verona.
En el 83 cuentan con mas de 100.000 fans y 65 conciertos a pleno. En el 84 celebran su aniversario numero 11 en el Stadium of Oberwart con miles de fans y les dedica su nueva canción, Live is Life. Es es un éxito y da la vuelta al mundo como numero uno en los años 1985 y 1986.
En los siguientes años llegarán un total de 17 discos y recitales junto a artistas como Stevie Niks, la cantante de Fleetwood Mac entre otros.
La version de "Flying High" esta interpretada , en una version inedita, por Falco. Rarezas, no?
Opus se formo en Austria en el 73, originalmente por Kurt Rene Plisnier (teclados), Former “Sängerknabe” Walter Bachkönig (bajo), y Ewald Pfleger (guitarras). En esa época la banda hacia sus clásicas sesiones en un garaje. Practicaban con clásicos de Deep Purple y Colloseum, y firmaron sus primeras composiciones como Opus Null.
Hicieron versiones rock de “Die Kleine Nachtmusik” y “Der Säbeltanz“. Estos temas son parte del repertorio de sus primeros conciertos en Burgenland y Styria.
En el 79 aparece Herwig Rüdisser por medio de un aviso y en ese preciso momento nace el sonido que llevara la banda al éxito. Firman su primer contrato en el 80 y producen su primer LP llamado Daydreams bajo el sello Phonogramm.
In 1981 el single Eleven y Flying High es un hit en Austria. El sello AMA se apodera de Opus y en esa misma época tocan junto a Christopher Cross y Lou Reed en un concierto en ¨el¨ The Arena die Verona.
En el 83 cuentan con mas de 100.000 fans y 65 conciertos a pleno. En el 84 celebran su aniversario numero 11 en el Stadium of Oberwart con miles de fans y les dedica su nueva canción, Live is Life. Es es un éxito y da la vuelta al mundo como numero uno en los años 1985 y 1986.
En los siguientes años llegarán un total de 17 discos y recitales junto a artistas como Stevie Niks, la cantante de Fleetwood Mac entre otros.
Elton John - Who Wears These Shoes - Passengers
En esta entrada pondre dos temas del "Sr de los Sombreros" que sonaban alla en los 80.
Luego subire mas , debido a que los temas que interpreto,eran exito seguro.
En esta entrada "Who Wears These Shoes" y "Passengers", exitos indiscutibles.
Pronto algunos lentos, calma ,ya llegaran...
Sir Elton Hercules John (n. Pinner, Inglaterra; 8 de marzo de 1947, 61 años), es un cantante, compositor pianista y violinista del británico de música pop, rock, glam rock y piano rock, nacido como Reginald Kenneth Dwight Harris.
A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido 250 millones de discos y ha colocado más de 50 canciones en las listas de éxitos, convirtiéndose en uno de los mejores músicos de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia.
En 2007 se quejó de que su último disco "The Captain & The Kid " había vendido muy poco (100.000) y arremetió contra Internet, diciendo que tenía la culpa, ya que la gente descargaba la música gratis.
Luego subire mas , debido a que los temas que interpreto,eran exito seguro.
En esta entrada "Who Wears These Shoes" y "Passengers", exitos indiscutibles.
Pronto algunos lentos, calma ,ya llegaran...
Sir Elton Hercules John (n. Pinner, Inglaterra; 8 de marzo de 1947, 61 años), es un cantante, compositor pianista y violinista del británico de música pop, rock, glam rock y piano rock, nacido como Reginald Kenneth Dwight Harris.
A lo largo de sus más de 40 años de carrera musical, Elton John ha vendido 250 millones de discos y ha colocado más de 50 canciones en las listas de éxitos, convirtiéndose en uno de los mejores músicos de todos los tiempos. En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia.
En 2007 se quejó de que su último disco "The Captain & The Kid " había vendido muy poco (100.000) y arremetió contra Internet, diciendo que tenía la culpa, ya que la gente descargaba la música gratis.
Laid Back - High society girl - White Horse
Como podran leer debajo, sunshine Reggae y White Horse son las temas mas exitoso de esta banda. Creo que High Society Girl merece un espacio en los 80. Ademas de "Is at shame", tema que estoy en busqueda, sonaba en las noches de "Moonlihgt".
Laid Back, una banda de funk danesa, formada en Copenhague, en el año 1979. Está compuesta por Tim Stahl y John Guldberg. Mejor conocidos durante la década de los ochenta e inicios de los noventa. Laid Back ha incorporado estilos musicales como el synth y funk. Mundialmente son famosas las canciones de Sunshine Reggae (1982) y White Horse (1983)
Laid Back, una banda de funk danesa, formada en Copenhague, en el año 1979. Está compuesta por Tim Stahl y John Guldberg. Mejor conocidos durante la década de los ochenta e inicios de los noventa. Laid Back ha incorporado estilos musicales como el synth y funk. Mundialmente son famosas las canciones de Sunshine Reggae (1982) y White Horse (1983)
Stars on 45 - Exitos
Que buena seleccion de temas traian estos "STARS ON 45". Recuerdo que compre, alla lejos en los 80, un disco con el Medley de "The Beatles", era de color azul y obviamente en 45. Estos temas giraban en las bandejas "Lenco" que se le ponia una moneda o algun elemento con peso,asi no saltaban algunos temas. que epocas por favor.
Este segmento se lo dedico a un discjockey de la epoca y en el quiero brindar mis respetos a todos los que trabajaban pasando musica en los 70 y principios de los 80.
el es "Eduardo Rajoy".
Stars on 45 (llamado también Starsound o Las Estrellas del 45) fue un proyecto de música pop de los Países Bajos que tuvo gran aceptación en Reino Unido, Europa y los Estados Unidos a principio de la década de 1980.
El título '45' se refiere a cada pista musical era de un disco de vinilo a 45 revoluciones por minuto (R.P.M.). Tales singles eran simplemente llamados "45s".
La banda estuvo integrada por músicos de estudio dirigidos por Jaap Eggermont, quien creó el concepto de "Stars On 45" después de escuchar un bootleg de canciones de discos de 12" llamado "Let's Do It In the 80's". La grabación contenía canciones de los Beatles, The Buggles, The Archies and Madness, y un fragmento de "Venus" de Shocking Blue, del cual Eggermont consiguió los derechos (copyright). Con este bootleg escuchándose en los salones de baile, Eggermont creó una versión licenciada del popurrí (medley) usando artistas que sonaban como los originales.
Los imitadores de los Beatles fueron cantantes de los Países Bajos: John Lennon por Bas Muys y los otros dos por Hans Vermeulen y Okkie Huysdens. Además de las canciones recreadas, un coro original fue agregado entre cada canción
La lista de canciones de "Stars on 45 Medley" es la siguiente:
Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I'll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You're Going to Lose That Girl / Stars on 45
El single es hasta ahora el "single #1 con el nombre más largo en el Billboard" debido a que por razones legales cada canción debe ser listada.
Este segmento se lo dedico a un discjockey de la epoca y en el quiero brindar mis respetos a todos los que trabajaban pasando musica en los 70 y principios de los 80.
el es "Eduardo Rajoy".
Stars on 45 (llamado también Starsound o Las Estrellas del 45) fue un proyecto de música pop de los Países Bajos que tuvo gran aceptación en Reino Unido, Europa y los Estados Unidos a principio de la década de 1980.
El título '45' se refiere a cada pista musical era de un disco de vinilo a 45 revoluciones por minuto (R.P.M.). Tales singles eran simplemente llamados "45s".
La banda estuvo integrada por músicos de estudio dirigidos por Jaap Eggermont, quien creó el concepto de "Stars On 45" después de escuchar un bootleg de canciones de discos de 12" llamado "Let's Do It In the 80's". La grabación contenía canciones de los Beatles, The Buggles, The Archies and Madness, y un fragmento de "Venus" de Shocking Blue, del cual Eggermont consiguió los derechos (copyright). Con este bootleg escuchándose en los salones de baile, Eggermont creó una versión licenciada del popurrí (medley) usando artistas que sonaban como los originales.
Los imitadores de los Beatles fueron cantantes de los Países Bajos: John Lennon por Bas Muys y los otros dos por Hans Vermeulen y Okkie Huysdens. Además de las canciones recreadas, un coro original fue agregado entre cada canción
La lista de canciones de "Stars on 45 Medley" es la siguiente:
Intro Venus / Sugar, Sugar / No Reply / I'll Be Back / Drive My Car / Do You Want to Know a Secret / We Can Work It Out / I Should Have Known Better / Nowhere Man / You're Going to Lose That Girl / Stars on 45
El single es hasta ahora el "single #1 con el nombre más largo en el Billboard" debido a que por razones legales cada canción debe ser listada.
Gazebo - I Like Chopin
Tema indiscutido a la hora de llegar los lentos o para levantar de los mismos. Recuerdo de la particularidad de ese disco, que tenia este solo tema en revolucion 45,habia que estar atento para largar este tema que sonaba muy bien, ademas la parte del piano, era ideal para probar el sonido y en la noche, prender la luz negra y que las parejas salgan a la pista,luego de apagar el reflector que iluminaba la bocha espejada.Dedicado para Laura, que le gustaba este tema
Dos lentos para el recordar
Aqui les dejo dos lentos que sonaban en los 80: True (spandau Ballet)y All trought the night (Cindy Lauper)
Asi se pasaba musica en los 80...
Dias pasados recibi una consulta de que no se imaginaban como era pasar musica en los 80. Sus padres les habian contado que pasabamos musica con bandejas y que haciamos enganches "milimetricos", jugando con los discos, evitando que "salte la pua". Con mucho agrado les explique lo que haciamos y para hacerlo mas grafico, he subido un video para que entiendan mas las explicaciones. Asi pasabamos musica los Djs de los 80... Habia que trabajar y mucho, aqui veran como.
en el primer video, set enganchados musica bolicera y en el segundo video, set de enganchados breakdance, un estilo muy bailado, inclusive en La Paz.
Recuerdo apellidos de los precursores a este estilo, tales como Figueroa, Baldi, Rigoni entre otros. Mi admiracion a estos aniamdores de las fiestas en el Colegio Nacional en los 80.
Hasta la proxima
Pitu Guirin disc - jockey
en el primer video, set enganchados musica bolicera y en el segundo video, set de enganchados breakdance, un estilo muy bailado, inclusive en La Paz.
Recuerdo apellidos de los precursores a este estilo, tales como Figueroa, Baldi, Rigoni entre otros. Mi admiracion a estos aniamdores de las fiestas en el Colegio Nacional en los 80.
Hasta la proxima
Pitu Guirin disc - jockey
Estimados amigos
Hola estimados amigos, he subido en estos dias varios videos y en esta oportunidad he subido los primeros videos nacionales, que si bien, no hay muchos, tambien merecen su espacio en esta pagina.
Quiero aprovechar esta ocasion, para agradecer todos los saludos y los comentarios que me han hecho, sobre que vuelva a pasar musica o que organicemos alguna fiesta con otros djs de la epoca. Calma amigos, algo se esta gestando...
A todos muchas gracias
Pitu Guirin disc - jockey
Quiero aprovechar esta ocasion, para agradecer todos los saludos y los comentarios que me han hecho, sobre que vuelva a pasar musica o que organicemos alguna fiesta con otros djs de la epoca. Calma amigos, algo se esta gestando...
A todos muchas gracias
Pitu Guirin disc - jockey
Soda Stereo - Exitos
Todos saben de mi fanatismo por el rock nacional,del bueno, claro.
Aca les dejo 5 videos de algunos exitos del trio mas representativo de todos los tiempos: SODA STEREO
Aca les dejo 5 videos de algunos exitos del trio mas representativo de todos los tiempos: SODA STEREO
Huey Lewis - Stuck with you - Doing It All For My Baby
Quien no bailo estos temas que, como por ejemplo "Stuck With You" anunciaba la inminente llegada de los lentos o el tema "Doing It All For My Baby" con su tecladista, que causaba risa a un conocido disc jockey, que lo imitaba en cualquier reunion en donde sonaba este tema. "The power of love" es tambien un tema de los mas conocidos, que lo pondre en otra entrada. La caracteristica de este grupo era lo divertido de las situaciones y los gestos de los protagonistas. Hasta la proxima
Huey Lewis, (Nacido como Hugh Anthony Cregg III, 5 de julio, 1950 en Nueva York) es un músico y cantante. Es el cantante líder y además toca la armónica en Huey Lewis & The News, un grupo de rock de San Francisco, California que fue popular durante los ochenta. También estuvo con la banda Clover de 1972 a 1979.
Huey ha aparecido en varias películas de cine. La primera vez fue un cameo en Back to the Future (1985), para la cual el grupo hizo dos canciones, incluyendo el éxito "The Power Of Love." La segunda aparición de Huey en el cine fue en Short Cuts (1993). También aparece en los primeros minutos de Sphere (1998) como piloto de helicóptero. Tuvo un papel más largo en Shadow of a Doubt (1998) de la cadena de cable Showtime y un papel sin créditos en Dead Husbands (1998) como el marido muerto durante los créditos iniciales.
Duets (2000) ha sido su mayor actuación en una película de alto perfil. En esta, interpretaba al padre de Gwyneth Paltrow, Ricky Dean, un busca vidas del Karaoke. La banda sonora incluía la canción "Cruisin'" (un clásico de Smokey Robinson) a dúo con Paltrow. Al no publicarse como un sencillo la canción solo llegó al tope de las listas de Adulto Contemporáneo. Después apareció en una producción llamada ".com for Murder", protagonizada por Nastassja Kinski.
Huey está casado y vive en Ross, California, tiene dos hijos - Kelly nacida en 1983 y Austin en 1985.
Huey Lewis, (Nacido como Hugh Anthony Cregg III, 5 de julio, 1950 en Nueva York) es un músico y cantante. Es el cantante líder y además toca la armónica en Huey Lewis & The News, un grupo de rock de San Francisco, California que fue popular durante los ochenta. También estuvo con la banda Clover de 1972 a 1979.
Huey ha aparecido en varias películas de cine. La primera vez fue un cameo en Back to the Future (1985), para la cual el grupo hizo dos canciones, incluyendo el éxito "The Power Of Love." La segunda aparición de Huey en el cine fue en Short Cuts (1993). También aparece en los primeros minutos de Sphere (1998) como piloto de helicóptero. Tuvo un papel más largo en Shadow of a Doubt (1998) de la cadena de cable Showtime y un papel sin créditos en Dead Husbands (1998) como el marido muerto durante los créditos iniciales.
Duets (2000) ha sido su mayor actuación en una película de alto perfil. En esta, interpretaba al padre de Gwyneth Paltrow, Ricky Dean, un busca vidas del Karaoke. La banda sonora incluía la canción "Cruisin'" (un clásico de Smokey Robinson) a dúo con Paltrow. Al no publicarse como un sencillo la canción solo llegó al tope de las listas de Adulto Contemporáneo. Después apareció en una producción llamada ".com for Murder", protagonizada por Nastassja Kinski.
Huey está casado y vive en Ross, California, tiene dos hijos - Kelly nacida en 1983 y Austin en 1985.
Ofra Haza - Im Nin'alu
Esta bella mujer, ya habia intentado probar suerte con este tema en el año 78, pero su gran despegue fue en el año 88. Si mal no recuerdo fue el primer arabe que se bailaba en La Paz. NO recuerdo que se baile con la coreografia de chicas moviendo la pelvis sensualmente en las noches del club Progreso, pero lo que vale es el recuerdo de este tema
Ofra Haza (hebreo עָפְרָה חָזָה), (Tel-Aviv, 19 de noviembre de 1957 – 23 de febrero de 2000) fue una cantante israelí de origen yemení que alcanzó una gran popularidad en Israel y en todo el mundo con una peculiar mezcla de la música tradicional de los judíos yemeníes y el pop.
Nació en el seno de una familia de judíos originarios de Yemen que habían emigrado a Israel. A los doce años se unió al grupo de teatro del barrio Hatikva, al sur de Tel Aviv. Tras servir durante dos años en el ejército israelí, grabó su primer disco en solitario, con el que obtuvo gran popularidad en Israel. A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas como en español.
En 1983, participó en el Festival de Eurovisión, y obtuvo el segundo puesto con la canción Jai, lo que le proporcionó fama internacional. Dos años después publicó internacionalmente su disco Yemenite Songs, basado en los poemas del rabino Shalom Shabazi. En 1988 su canción Im Nin'alu, del mencionado disco, alcanzó un gran éxito en Alemania. Con el álbum Kyria (1992) obtuvo una nominación para los Premios Grammy. Intervino en numerosas bandas sonoras, entre ellas la de la película de animación El príncipe de Egipto, que también cantó en su versión castellana.
En 1994, a petición de Isaac Rabin, actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz.
Murió, probablemente de neumonía complicada por VIH, el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confirmadas por la familia.
Ofra Haza (hebreo עָפְרָה חָזָה), (Tel-Aviv, 19 de noviembre de 1957 – 23 de febrero de 2000) fue una cantante israelí de origen yemení que alcanzó una gran popularidad en Israel y en todo el mundo con una peculiar mezcla de la música tradicional de los judíos yemeníes y el pop.
Nació en el seno de una familia de judíos originarios de Yemen que habían emigrado a Israel. A los doce años se unió al grupo de teatro del barrio Hatikva, al sur de Tel Aviv. Tras servir durante dos años en el ejército israelí, grabó su primer disco en solitario, con el que obtuvo gran popularidad en Israel. A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas como en español.
En 1983, participó en el Festival de Eurovisión, y obtuvo el segundo puesto con la canción Jai, lo que le proporcionó fama internacional. Dos años después publicó internacionalmente su disco Yemenite Songs, basado en los poemas del rabino Shalom Shabazi. En 1988 su canción Im Nin'alu, del mencionado disco, alcanzó un gran éxito en Alemania. Con el álbum Kyria (1992) obtuvo una nominación para los Premios Grammy. Intervino en numerosas bandas sonoras, entre ellas la de la película de animación El príncipe de Egipto, que también cantó en su versión castellana.
En 1994, a petición de Isaac Rabin, actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz.
Murió, probablemente de neumonía complicada por VIH, el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confirmadas por la familia.
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