Disc-jockey de La Paz – Parte 1

Disc-Jockey de La Paz – Parte 1


Como dije anteriormente, he trabajado con discjockey de los mas reconocidos de La Paz y zona y he conocido a otros, que por ser mas chicos, he visto su evolución y crecimiento en materia de este trabajo.
En esta entrega, hablare de algunos amigos Dj’s

Hugo Cesar Sabattini: Fundador con Mario Jacobo, de “Cerebro Discjockey”, eran los que sonaban, junto a Discotech, que era otros de los discjockey móviles que se movían en la noche paceña.
“Chicho”, como le decían, tenia predicción por el genero internacional, siempre seleccionaba la música con un gusto muy particular, siempre sonaban Bruce Springsteen, Dire Straits, ni hablar de Pink Floyd y del grupo Yes.
Contaba con una estructura impresionante de equipos y una gama variada de luces, podía sonorizar mas de 2 fiestas a la vez , con un excelente servicio.
Fue dueño de boliches y en la actualidad es empresario

Mario Jacobo: alias PEPO , fue fundador junto a Cesar Sabattini, de “Cerebro Discjockey”.
Su estilo preferido era lo “bolichero”, lo que en la actualidad, seria un dance o el tecno.
Luego de la separación de su socio Sabattini, Mario, siguió con el nombre de Cerebro Discjockey.
Era unos de los djs, que le encantaba mezclar los temas por un tiempo prolongado y con sus “Bandejas LENCO”, negras, que luego fueron pintadas de gris, vaya a saber por que motivo, era uno de los “chiches” que permitían hacer esas cosas.
Junto a Mario, trabajaba su hermano, Fabio, gran discjockey , con una calidad y cualidades que, siguiendo su estilo, hacia bailar a los paceños en distintas fiestas. El era el encargado de “largar” las fiestas, que generalmente se hacia con música bolichera y algo de internacional, cuando Pepo, no metía sus manos mágicas en las fiestas para controlar agudos y graves y se quedaba pasando unos temas.
Claudio Guirin (Pitu) era el encargado de la sección nacionales, mi música preferida, sonaban todos los temas que pasábamos en la primera FM que hubo en La Paz, fui el primer operador de FM en La Paz, acompañado en la conducción por Reinando Eichhorn que fue el primer locutor de la FM de la ciudad, todo un suceso, ya que en ese entonces, no había fm en La Paz. El programa se llamaba “Vibraciones”. De ahí salió el apodo, que , creo que me marco para siempre, “El PITU” Guirin. Las explicaciones del apodo de que por que “el Pitu” se las debo .
Miguel “Popeye” Baldini, también llamado “Migueleb”, (Miguel, el bajito)s era el especialista de las lentas, un finísimo gusto en la selección de temas, hacia que todo el mundo, cuando llegaba esa parte de la noche, disfrutaran de Phill Collins, Queen, Chicago, Peter Cetera, Genesis entre otros.
Otra cosa para destacar, era el equipamiento que movía Pepo y su trouppe de Djs. Con sonido de primera calidad y unos bafles, que cariñosamente fueron bautizados “los bebes”, aguantaban las pruebas mas exigentes que eran sometidos.
Este era el grupo que trabaja con Pepo Jacobo en la decada de los 80, todo transportado en la Mazda amarilla de Hector “Charly Garcia” Schaller, y en ocasiones, los ayudantes eran el popular Monito Blasich y Silver Santini.
Luego, por cuestiones de estudio y por otras obligaciones, “Cerebro Discjockey”, culmino su etapa nocturna en el departamento la Paz, ya que junto a este equipo, musicalizábamos fiestas en Santa Elena, Bovril, Esquina (Ctes) entre otros lugares.
Luego de estar unos años si actividad, volvimos la ruedo, pero ya con otra tecnología, ya no estaban mas las bandejas, ahora comenzaba a usarse las compacteras, cosas que en lo personal, nunca me gusto, pero no quedaba otra, había que modernizarse.
De a poco comenzamos con la compra de música, con un costo, de lo que es hoy en día, de $80 cada CD. Hoy se los consigue por $3 a $ 5 los compactos de audio, ni hablar del formato MP3.
Asi anduvimos unos cuantos años, con el apoyo de los que armaban las estructuras y cableados, los cuales recuerdo entre otros a Pedro Forastieri, Silver Santini, Quique Cardozo y Osvaldo Baes.
En esta etapa, avizorábamos que se venia la tendencia tropical, cosa que en lo personal, no comparto como que sea necesario poner en una fiesta para que la gente se divierta. En los 80 no se me hubiera ocurrido poner algo tropical en una fiesta, se divertía la gente con otros temas, pero como dije anteriormente, había que tener de todo en los maletines con música.
Y un día , el fenómeno tropical, se impuso. Seguimos un poco de tiempo mas con las fiestas, por compromisos que con antelación habíamos hecho y un día, dijimos, con Pepo, “hasta acá llegamos, lo tropical no es lo nuestro, que quede en claro, respetamos los que escuchan este genero, pero no estábamos de acuerdo que en las fiestas si o si había que poner tropicales, pero ya era una tendencia que venia fuerte y ni hablar del genero villero, que por suerte , cuando se impuso, nosotros ya estábamos afuera.
Y asi culmino otra etapa de Mario y mía, en lo que respecta a discjockey móviles.
Fue una etapa mas que agradable, con muchos cambios y con unos años mas encima.
Hoy, Mario Jacobo es ingeniero electrónico.

Luis “Wichy” Miño: creo que Wichy fue el que mas se adapto a los cambios que se sucedían, pasar de las bandejas a las compacteras, ya que Wichy, concurrió a las Escuelas de DJ’S en Buenos Aires.
Cuando sus clases lo permitían, volvía siempre a La Paz, con las nuevas tendencias y los nuevos temas que sonaban en Buenos Aires. Todos teníamos los adelantos en cuestión de horas y a pesar, del enojo de muchos amigos, por su nueva forma de vestir, el lenguaje propio de los DJ’S y las versiones remixadas, el impuso un estilo, digo esto por que, antes la música se pasaba estructurada, los internacionales, o los dance en primer termino, luego nacionales o mas internacionales para llegar a las lentas , tipo 4 de la mañana.
Recuerdo, que un día, me recomendó que mezcle los géneros, que la gente iba a tener otra reacción al escuchar temas latinos, mezclados con temas de cotillon y con temas remix.
Esto era otra tendencia que se marcaba en Buenos Aires y en Parana, donde el residía por ese entonces. Nuevamente no estaba de acuerdo pero era lo que funcionaba.
Y eso se vio reflejado en un Púb. que hubo en la zona portuaria, era lo que la gente le gustaba.
Luis “Wichy” Miño, después de recorrer algunas provincias de Argentina, en la actualidad sigue en el tema, pero desde la óptica empresarial.

Manuel “Machy” Miño: Hermano de Wichy, en sus primeros tiempos, era increíble ver como manejaba sus “compacteras Denon”, como decían, “”las hacia de goma”, mezclando todos los géneros, Machy ya usaba solamente las compacteras, también fue Djs en un boliche de la zona portuaria y cuando lo requerían, viajaba a Parana, para musicalizar lugares TOP, como “Coyote”, en la costanera paranaense.
Machy sigue en la actividad, junto con otros Djs que trabajan para el servicio de L’Equipe.

Omar “Nono” Miño (Monono). Tuve la suerte de ver su crecimiento profesional. Con una tendencia mas fuerte hacia los géneros dance, tecno, chill out (Géneros que comparto), Nono ha marcado también un cambio. En sus presentaciones usaba compacteras y una novedad que pronto se impondría: La computadora.
En oportunidades que tuve q pasar música con Wichy o Nono en Parana, nunca estuve tranquilo, respecto a que como decimos, “Se plante la compu”. Es asombroso con la tranquilidad que trabajan con este elemento, cargándole cientos de temas en discos duros grandísimos y acá si, no hay pretexto de decirle “No, No tengo el tema que me pedís”. Antes si , por ahí te pedían un tema como los llamaba yo “INESCUCHABLE” o simplemente no me gustaba, les decia, “No lo tengo”, o “mas tarde te lo paso” y olvidate.
Cierta noche, tuve la suerte de estar presente en una fiesta “Chill Out”, en donde toda la noche , Nono hizo bailar a mas de 700 personas, en una fiesta que comenzo a las 00,00 y termino a las 9 de la mañana. Fue una fiesta impresionante.
Nono Djs, después de pasar por los boliches mas exclusivos de Parana (Buda, Cream, etc) actualmente musicaliza las noches de la ciudad de La Paz.

Marcelo Farias: Otro integrante de la Trouppe de L’Equipe, musicalizaba también todo tipo de eventos.
Con un estilo que va mezclando toda clase de géneros, hace bailar al publico de Parana, lugar en que reside hace muchos años. Musicalizo distintos pubs y boliches de la capital entrerriana, con su propia estructura en equipos y personal, brindando un excelente servicio con su Djs móvil.
Grillo Djs, como le llamamos sus amigos, cuando su tiempo empresarial, lo permite, vuelve a su ciudad.
Todos tenemos algo en común, que cuando nos encontramos hablamos del mismo tema, del trabajo de DISC-JOCKEY o de DEE JAYS, como se llama ahora, es algo que no se puede evitar.

Esta es la primera entrega de los DJ’S mas representativos ha tenido La Paz.
Obviamente faltan algunos, de los mas viejos y otros chicos que comparten todo esto, pero eso será en la próxima entrega.

Pitu Guirin – DJ’S

Discos de los 80' Parte 1

Depeche Mode (1988)

La encrucijada mejor resuelta de la década. Nacidos como grupo tecnopop con talento para las melodías, abandonados por su principal compositor, oscureciendo cada vez más su propuesta, Depeche Mode habían llegado al final de los 80 con un catálogo de discos irregulares pero un puñado de canciones vitales. Después de tantos saltos mortales sin red (nada cuadra entre su primer disco y Music For The Masses), parecía imposible quer los de Basildon pudieran ser coherentes. Pero 101, testimonio del último concierto de una gira que les conviertió en grupo para masas, deja constancia precisamente de lo contrario y se convierte en su único disco capaz de mantenerte pegado de principio a fin en el sofá. Contemplando el documental de D.A. Pennebaker te quedas absolutamente pasamado de la comunión entre fans, grupo y música, pero escuchando el disco deseas formar parte de esa masa rugiente de Pasadena y llegar a su misma euforia. En las interpretaciones robóticas y frías que hace el grupo de sus canciones y su constraste con la voz apasionada de Dave Gahan puede estar la clave para entrar de forma definitiva en su mundo. En eso, en unas letras que son pura propaganda emocional y generacional (algunas bordean el ridículo, pero acaban funcionando por un extraño mecanismo escondido) y en canciones enroscadas en sí mismas pero crecientes como Blasphemous Rumours o Black Celebration que antes de este 101 no habían brillado tanto. El final, con la letra abiertamente antiyuppies de Everything Counts coreada por miles de personas, puede ser también un bonito final para una década totalmente deshumanizada, solitaria y egoísta.

Michael Jackson (1982)

El último resto de espontaneidad del niño que maravillaba con los Jackson 5, antes de convertirse en la peor caricatura de Peter Pan que este mundo podría darnos (¿la única, quizás?). La historia ya la conocen: el éxito absoluto, siete canciones en el top ten, el video que cambió la forma de producir imágenes para la MTV… Un aluvión de cifras mastodónticas e indicios de megalomanía dañina. Datos que no deben ocultar lo que Thriller es: un pastiche de proporciones colosales (¡pero si hasta toca Eddie Van Halen!) que las sabias manos de Quincy Jones lograron hacer cuajar. Música para los zombis discotequeros con argumentos que hoy, aunque suenen ridículos (Billie Jean y su hijo-que-no-es-su-hijo), siguen obligándote a mover los pies y forman parte de (¡glups!) la memoria colectiva. Lástima que las baladas sean cada vez más pastel, olvidando esas tiernas canciones de amor púber de los Jackson 5 y tengan que venir los ritmos más negros a salvar el percal: Beat It y Wanna Be Startin´ Something son absolutamente infalibles.

Back In Black – AC/DC (1980)

Mediados del año 80. Suenan las campanas del infierno y AC/DC regresan de luto. Bon Scott, su característico vocalista, acaba de beber hasta morir, pero los australianos, en la cresta de la ola gracias al genial Highway To Hell, se ponen vendas con la llegada de Brian Johnson, prácticamente un clon de Scott. Puede que su rock duro (que no heavy, que nadie se lleve a engaño) nunca haya sido un ejemplo de evolución, pero ¿de verdad eso importa ante monolitos del calibre de este Back In Black? 10 temazos sin bajones que homenajean el blues desde la necesidad de pasar página, pero no de cambiar. 10 canciones enormes para disfrutar haciendo air guitar en casa y para elevar los cuernos en directo. Y una de las mejores descripciones sexuales de la historia del rock: You Shook Me All Night Long. No, el rock no es polución sonora.

Graceland – Paul Simon (1986)

Excursión africana de un blanquito en plena vigencia del apartheid. Paul Simon había vagabundeado desde su separación de Art Garfunkel, pero vino el fantasma del mestizaje a visitarlo y le llenó de gracia. Con la de risa que podría haber dado un disco así de cualquier otra figura de los años 60, Simon logra que el puzzle funcione a la perfección. Cierto que You Can Call Me Al suena ahora a tópico de canción de los 80 mezclada con world music, pero quizás porque fue Graceland quien lo creó. Calypsos, ritmos africanos de todo tipo y algún que otro toque tex-mex, incluso los pantanos de Nueva Orleans, muchas músicas se dan cita en un disco capaz de volar muy alto aún hoy, cuando el mestizaje es refugio de repetición. De su éxito aún da constancia Homeless. Y yo, que me declaro ferviente admirador de aquella pareja de folkies bien educados, más que me alegro.

Viva Hate – Morrissey (1988)

Verlo en televisión (por obra y gracia de Benicassim y emparedado entre publicidad de McDonald´s) casi que derumba un mito, pero el de Morrissey es demasiado grande como para que una cosa así acabe por echarlo por tierra. Si hemos superado toda su carrera en solitario, somos capaces de lograr (casi) cualquier cosa. Ahora que saca discos mediocres con un par de canciones afortunadas (a veces ya ni eso) no está de más recordar que el de los Smiths se puso más dramático de lo que en su anterior grupo era habitual en su primer disco en solitario. Viva Hate, además, trae por primera vez al cantante compañado de teclados, por obra y gracia del productor Stephen Street, lo cual no significaría nada especialemente reseñable en esta lista si no fuera por canciones como Every Day is Like a Sunday o Suedehead. Puede que el paso del tiempo y su obra posterior haya convertido a este disco en algo mejor de lo que en realidad es (hay canciones que ya apuntan cierta mediocridad posterior), pero, ey, es Morrissey y encima es un disco continuista con el sonido Smiths (aunque las guitarras sean de bastante menos gusto que las que metía Johnny Marr).

Solistas con Historia

Eddie Grant

Edward Montague Grant, más conocido como Eddy Grant, nació en Plaisance (Guyana). Se le concidera un precursor del pop multirracial. De hecho su primera banda The Equals, fue uno de los primeros grupos multirraciales británicos que alcanzó cierta popularidad en aquellos años. Sin embargo aunque cosecharon algunos éxitos, como con el tema I get so excited, la trayectoria del grupo era demasiado intermitente, no terminaban de despegar. Pronto, a comienzos de los años 70, Eddy Grant empezó a explorar nuevos ritmos. Creó el mismo un sello discográfico llamado Torpedo, bajo el cual publicó varios trabajos con el nombre de Little Grant. Sin dejar su banda, inició una carrera en solitario que arrancó con el single Let’s do it together. En 1971 sufrió un ataque de corazón del que logró salir con vida, pero que frenó su producción. En esta etapa su trabajo se centró más en la representación de artistas, hasta que en 1980 tomó de nuevo las riendas de su carrera como cantante. Esta vez su éxito iba a traspasar fronteras. En 1981 el álbum Can’t get enough le colocó de nuevo en la escena musical. El disco contenía temas como Do you feel my love o and I love you, yes I love you que alcanzaron puestos altos en las listas de ventas del Reino Unido. Unos años más tarde en 1990 llegó el tema insignia de este cantante: Gimme hope Jo’anna se convirtió en un éxito en varios países. La canción aparece en el disco Barefoot Soldier. Se le considera además el inventor del ringbang y el soca, una mezcla de varios ritmos africanos.

Peter Frampton

Después de formar parte de, entre otros grupos, The Herd y de Humble Pie, el músico inglés Peter Frampton (nacido el 22 de abril de 1950) emprendió una carrera en solitario a comienzos de los años 70.
Con sonidos de rock FM, fácil de asimilar por una amplia audiencia, Frampton debutaba en disco grande con “Wind of Change” (1972), un notable disco editado en A&M Records. En el álbum, co-producido por Chris Kimsey y con temas como “It's a plain shame”, “All I wanna be”, la homónima “Wind of change” o una versión del “Jumpin' Jack Flash” de los Rolling Stones, colaboraban músicos como Ringo Starr, Klaus Voorman, Billy Preston o Mick Jones (el futuro miembro de Foreigner).
La música de Peter Frampton, a pesar de ser un ídolo de jovencitas en su país natal desde los tiempos de The Herd, logró mayor eco comercial en los Estados Unidos que en otro lugar del mundo. Su segundo trabajo en solitario fue “Frampton's Camel” (1973), disco con el conocido tema “Do you feel like we do” en donde tocaban el bajista Rick Wills, el batería Mike Kellie y el teclista Mickey Gallagher, denominados junto a Frampton, los Frampton's Camel, sus acompañamentes en sus actuaciones en vivo.
“Something's Happening” (1974), álbum que contaba con la presencia en el piano de Nicky Hopkins, y “Frampton” (1975), su cuarto LP en solitario en donde aparecían sus conocidos temas “Show me the way” y “Baby, I love your way” (versionado con éxito años después por Big Mountain), serían el preludio de su trabajo más popular, el doble en directo grabado en la ciudad de San Francisco, “Frampton Comes Alive!” (1976), que consiguió llegar a lo más alto en el Billboard estadounidense.
Al año siguiente editaría “I'm in you” (1977), disco que incluía las participaciones estelares de Steve Wonder y de nuevo Ringo Starr. A pesar del buen recibimiento en ventas (número 2 en los Estados Unidos) no consiguió la resonancia de su anterior trabajo. Por esa época intervino en la fallida película “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” (1978).
Después de “I'm in you” sus grabaciones resultaron muy menores, con escasa repercusión crítica y comercial. Además a finales de los años 70 Peter, que también pasó su tiempo enganchado a las drogas, sufriría un grave accidente de tráfico que casi le lleva a la tumba.
Su último disco en la década, “Where I sould be” (1979), con la colaboración del guitarrista Steve Cropper, fue menguando su atractivo comercial (número 13) hasta que su carrera posterior no consiguese remontar su popularidad de antaño con LPs como “Breaking all the rules” (1981), con versión del “Friday on my mind” de los Easybeats, “The art of control” (1982), “Premonition” (1986), “When all the pieces fit” (1989), “Love taker” (1995) u otros intentos en directo con “Frampton is Alive!” (1986) o “Frampton comes alive II” (1995).
En el año 2003, tras muchos años sin pasarse por el estudio para grabar en solitario, Peter Frampton, que tocó con la All Starr Band de Ringo o con los Rhythm Kings de Bill Wyman, volvería a las tiendas de discos con “Now” (2003), disco en el cual incluía una versión de los Beatles con “While my guitar gently weeps”. También en la última etapa de su trayectoria profesional Frampton ha hecho sus pinitos como actor, interviniendo en la película de Cameron Crowe “Casi famosos” (2000).

Solistas con Historia - Giorgio Moroder

Nació en Ortisei (Italia) en 1940. Fue uno de los grandes productores y compositores de música disco de los 70 y 80. Su nombre aparecía ligado a bandas sonoras de películas como El expreso de medianoche (1978), Flashdance (1983) o Top Gun (1986). Además ha trabajado con artistas como Donna Summer, Blondie, Bowie o Freddie Mercury, entre otros. io Moroder consiguió el Oscar a la mejor banda sonora original por su partitura para la, en su momento, polémica película de Alan Parker. Moroder renunció a los instrumentos “reales” en favor del sonido netamente ochentero que hizo brotar de sus sintetizadores para relatar el calvario de Brad Davis en las cárceles turcas. Sobre los años, Giorgio Moroder ha producido a artistas incontables, ha escrito o ha producido sobre 40 canciones para las películas, anotado 15 películas.
Artista que produjo Georgio Moroder
Barbara Streisand Miami Sound MachineJanet JacksonDavid BowieGraham NashDonna SummerSammy Hagar/Van HalenKenny LogginsPat BenatarJon AndersonLimahl The SilversEric Martin-Mr.BigRemix Eurythmics BerlinJermaine JacksonCheap TrickIrene Cara CherChaka KhanFreddie MercurySparksAdam AntJanis IanPhil OakeyS. S. SputnikOlivia Newton-JohnElton JohnIn Aura RemixBonnie TylerLoverboy Bill MedleyRoger MillerBlondieDebbie Harry Melissa ManchesterBilly SquierRoger DaltreyJennifer Rush DeBarge AsiaRuPaulGravity Kills remix
Canciones de peliculas producidas:
Let It Ride Fair Game Over The TopThe Never Ending Story (Co-scored With Klaus Doldinger)Electric DreamsFlashdanceScarfaceSuperman IIMetropolis (New Score To 1926 Silent Classic) D.C.CabAnother WayAmerican Gigolo Cat PeopleFoxesMidnight ExpressNavy SealsThe Never Ending StoryRambo IIIBeverly Hills Cops IITop Gun American Anthem Quicksilver Thief of Hearts Thank God It's Friday (Also Produced Oscar Winning Song "Last Dance"
Sin duda Moroder fue la piedra angular de la música disco, un talento único e inigualable, una música que hizo bailar a una generación completa , y que a pesar de los años el que escucha hoy la música de Giorgio no deja de asombrarse, ya que es una música que trasciende mas allá del tiempo. Giogio Moroder fue un adelantado a su época, un visionario y su música seguirá vigente a través del tiempo como una música clásica de aquellos dorados 80

Grupos con Historia - Eurythmics

Dúo formado por Annie Lennox y Dave Stewart, uno de los grandes de la época postnuevos románticos de los años ochenta. Su carrera ha sido muy prolífica hasta 1989 año en el que editaron su primer álbum de grandes éxitos en directo. Acto seguido, cada uno de ellos inció su carrera en solitario. En 1999, después de más de diez años de inactividad como grupo, aparecieron de nuevo con la edición de un álbum llamado Peace.En 2005 se publica una nueva colección de éxitos Ultimate Collection. Además sus ocho discos de estudio hasta la fecha se reeditan remasterizados y conteniendo temas inéditos, versiones maxis, remezclas y versiones de The Beatles, David Bowie y Lou Reed.Dave A. Stewart nació el 9 de septiembre de 1952 en Sunderland, Tyne And Wear (Inglaterra) y Annie Lennox el 25 de diciembre de 1954 en Aberdeen (Escocia). Annie y Dave se conocieron cuando éste era todavía miembro del grupo de folk/rock Longdancer. Ella estaba trabajando como camarera para ayudar a pagar sus estudios de piano y flauta en el Royal Academy Of Music.Juntos formaron el grupo The Tourists y editaron tres álbumes en los que consiguieron fusionar la energía de la new wave con buenas canciones pop. Tras la separación del grupo crearon Eurytmics en 1980. En 1981 ficharon por la multinacional RCA y lanzaron su primer single como dúo Never Gonna Cry Again, canción que estaba incluida en su su primer álbum In The Garden al que imprimieron un sonido muy electrónico.En 1983 editaron Sweet Dreams, su segundo disco, que les proporcinó un gran éxito gracias a canciones como la que daba título al álbum y Love Is A Stranger. En 1984 llegó Touch y con él los sencillos Here Comes The Rain Again, Right By Your Side...En ese mismo año compusieron la banda sonora para la película 1984, el single Sex Crime se convirtió en todo un himno de la música techno.Con el disco Be Yourself Tonight, publicado en 1985, dejaron de lado los toques electrónicos que les habían caracterizado en los años anteriores y se decantaron por un sonido mas rockero.Stewart dió un aire más guitarrero a sus nuevas canciones, entre las que aparecía un maravilloso dueto de Annie Lennox con Aretha Franklin en el tema Sisters Are Doin' It For Themselves, además de Would I Lie To You?, It's Alrright (Baby's Coming Back) y el que pasaría ser uno de los más grandes temas de su carrera: There Must Be An Angel (Playing With My Heart), en el que colaboró Steve Wonder tocando la armónica. Al año siguiente editaron el álbum Revenge, que incluía composiciones como Missionary Man, Thorn In My Side, The Miracle Of Love y When Tomorrow Comes.Después llegó Savage en 1987, y We Too Are One en 1989 con el posterior anuncio de separación del dúo para emprender sus carreras en solitario. Dos años más tarde, a modo de recopilación, editaron Eurythmics Greatest Hits, una colección de sus 18 mejores canciones.Se juntaron a finales de los 90 en una fiesta homenaje a la periodista Ruth Picardie, buena amiga de ambos, y la segunda en un acontecimiento benéfico. El 16 de febrero de 1999 actuaron en la ceremonia de los Brits en la que se les hizo entrega de un galardón en reconocimiento a su enorme contribución a la música británica. La reunión tras más de 10 millones de discos vendidos y una década de ausencia, se resolvió en una reunión para grabar su noveno álbum, al que titularon Peace y del que se extrajeron sencillos como I Saved The World Today y 17 Again.

Grupos con Historia -Kool & the Gang

En 1964 Robert Bell, su hermano Ronald y cinco amigos de secundaria formaron una banda instrumental llamada los Jazziacs. Junto con los hermanos Bell, la banda incorporó además miembros originales como Dennis "D. T." Thomas (saxofón contralto), Charles Smith (guitarra), Clifford Adams (trombón), Robert Mickens (trompeta) y George Brown (batería).
Con el primer álbum de Kool & The Gang, Kool & The Gang, grabado en el "De-Lite label" en 1970, el grupo no alcanzó el éxito popular esperado. No fue sino hasta el lanzamiento de Wild and Peaceful en 1973, que incluia los exitosos temas, "Funky Stuff", "Jungle Boogie" y "Hollywood Swinging", que la banda se hizo conocida. Así en 1976 recibieron el Grammy por "Open Sesame" de la banda sonora de "Fiebre de Sábado por la Noche".
Un nuevo vocalista se unió a la banda en 1979. J. T. Taylor era un cantante aficionado de Clubes Nocturnos, proveniente de New Jersey, que tampoco era muy ajeno a la música de Kool & The Gang. Con él, lanzaron el álbum Ladies' Night. La suave voz de Taylor le dio popularidad a la producción y los temas "Too Hot" y "Ladies' Night" alcanzaron niveles de venta de oro y platino.
Además de la inclusión de un nuevo cantante, el cambio del grupo al sonido pop fue realizado por el productor Eumir Deodato, quien, empezando con Ladies' Night, produjo los cuatro siguientes álbumes de oro y platino, entre 1979 y 1982. Con la ayuda de Deodato, el siguiente álbum del grupo, Celebrate, llegó a ser uno de los mayores hits de su carrera.
Kool & The Gang se separó amigablemente de su productor en 1983 y el grupo decidió crear su propio estudio de grabación. El álbum de 1983,In the Heart, fue producido por Khalis Bayyan, Kool & The Gang y el ingeniero Jim Bonnefond, pero en todos los álbumes siguientes, Khalis Bayyan llegó a ser el arma secreta de producción del grupo.
Desde mediados de los 80's hasta principio de los 90's Bayyan mantuvo sin embargo, el sonido inalterable. Las guitarras de rock comenzaron a reemplazar a los bronces, y su sonido fue transformado por el poder de la tecnología digital.
En la década de los 80 Bayyan produjo Emergency (doble platino) y Forever (oro), en los que ejecutó casi todos los instrumentos.
El mayor cambio de los 80's, sin embargo, vino con la salida de Taylor. El vocalista se fue en 1988 con planes de hacer un álbum como solista. El grupo reemplazó a Taylor con los cantantes e instrumentalistas Sonnie "Skip" Martin y Odeen Mays Jnr. Con ellos lanzaron dos álbumes de estudio, Sweat (1989) y Unite (1993). En el verano de 1995 Taylor regresó a la banda y lanzaron un nuevo álbum, State of affairs.
En febrero del 2003, el público chileno podrá disfrutar de uno de los emblemas de la onda disco internacional, cuando la agrupación llegue al escenario de la Quinta Vergara y nos haga parte de su Celebration

Grupos con Historia - Bee Gees

Grupo formado por los hermanos Gibb: Barry (nacido el 1 de septiembre de 1947 en Douglas, Isla de Man, Inglaterra) y los gemelos Robin (mayor por unos minutos) y Maurice (el 22 de diciembre de 1949, Douglas). El trío debutó en 1955 como los Blue Cats, interpretando versiones de Tommy Steele y Lonnie Donegan, en el Club Manchester, donde su padre Hugh, dirigía la Hughie Gibb Orchestra. Su madre, Barbara, era cantante.
En 1959, poco después del nacimiento de su último hermano, Andy, los Gibb emigraron a Brisbane (Australia). Todos los domingos actuaban en el Speedway Circus de Brisbane y se hacían llamar Rattlesnakes. Conocieron entonces a Bill Good (organizador de carreras de caballos) quien les presentó al DJ Bill Gates. Poco después Bill se convirtió en su mánager y ponía las grabaciones de los Gibb en su programa de radio Clatter Chatter en la emisora 4KQ. Interesado en la música de los hermanos, Good les puso el nombre de B.G's, por las iniciales suyas y las de Gates, y no por las iniciales de Brothers Gibb, como popularmente se cree.
Llegó entonces el debú en televisión, en el programa Anything goes , y también hicieron asiduas apariciones en otro show del canal BTQ7. Después se instalaron durante seis semanas en el Hotel Beachcomber, en Surfers Paradise, Brisbane.
En 1962 se trasladaron a Sidney, donde tocaron en el Sidney Stadium en un concierto cuyo cabeza de cartel era Chubby Checker, ya entonces se llamaban The Bee Gees. Comenzaron a escribir y su primera composición fue Let me love you . También disfrutaron del primer éxito en listas de una de sus canciones: Starlight of love de Col Joye se situó en lo más alto de las listas australianas.
En 1963 fueron fichados por Festival Records y publicaron varios singles, entre ellos Wine and women .
En 1965 se unieron al director musical Bill Shepherd y al productor Ozzie Byrne y firmaron con Spin Records. Tras lanzar varios singles, que subieron a las listas australianas, grabaron su undécimo sencillo, un tema escrito por Barry llamado Spicks & specks .
En 1967 el grupo regresó a Gran Bretaña tras un viaje de cinco semanas en barco y con Spicks & specks liderando las listas australianas. Por ese tiempo, el empresario musical Robert Stigwood, un consumado showman , se había asociado a Brian Epstein en NEMS Enterprises (la compañía que llevaba a The Beatles).
Stigwood era un australiano que había cambiado Adelaide por Londres en 1956, y tras ver a Bee Gees en una audición en el Saville Theatre de Londres, estuvo inmediatamente seguro de su éxito. Entonces se convirtió en su mánager y les consiguió un contrato discográfico con el sello Polydor. Como Barry dijo después: "Robert nos abrió muchas puertas e hizo que las cosas ocurrieran como nadie más lo hubiera hecho". Volvió a publicarse Spicks & specks y no fue precisamente un éxito mundial. Sin embargo, el siguiente single, New York mining disaster 1941 , lanzado en abril de 1967, triunfó a ambos lados del Atlántico.
El álbum Bee Gees 1st (1967) impulsó igualmente la carrera del grupo, llegando al nº 7 en Gran Bretaña y al nº 8 en las listas americanas.
En 1968 se publicaron cuatro álbumes de Bee Gees: Horizontal , Idea y dos colecciones de temas de álbumes australianos titulados Rare, precious & beautiful (Volumen 1 y 2) . Ese año Barry, Robin y Maurice ofrecieron conciertos en radio y televisión e incluso encontraron tiempo para escribir canciones para otros artistas. Como explicaba Robin: "Escribimos sobre todas las cosas, sobre lo que ocurre día a día, experiencias personales, cualquier cosa que hayamos escuchado en las noticias o leído en los periódicos. Algunas veces escribimos canciones basadas en nuestras opiniones personales. Solíamos componer de forma individual, pero ahora, cada nueva composición de los Bee Gees se hace en conjunto".
En 1969 llegaron Rare, precious & beautiful, Vol. 3 , el doble álbum Odessa y Best of The Bee Gees , una compilación de los grandes éxitos de su carrera.
En los años 70 fue inevitable que el éxito se les subiera a la cabeza. El ego juvenil, entre otras cosas, hizo que se produjera una ruptura temporal. Robin publicó un álbum en solitario, Robin reign , mientras Barry y Maurice continuaron como Bee Gees y grabaron el álbum Cucumber castle (de ahí que en la portada en la que aparecen vestidos de caballeros medievales, sólo salgan Barry y Maurice). Maurice co-protagonizó el musical del West End "Sing a Rude Song" y se encargó de su banda sonora. Ambos grabaron, igualmente, álbumes en solitario, pero justo cuando Robin hizo su segundo disco, los hermanos decidieron reunirse de nuevo. Una serie de singles de éxito siguieron a continuación, así como los álbumes "2 years On", "Trafalgar", "To Whom It May Concern" y "Life in a Tin Can". Pero cuando el álbum, titulado de forma caprichosa "A Kick in the Head is Worth Eight in the Pants", fue rechazado por su compañía de discos, llegó el momento de un cambio de dirección hacia un sonido más R&B. Igualmente buscaron un nuevo productor. Según dice Maurice: "Cuando comenzamos a trabajar con Arif Mardin, todo cambió. Arif modificó la química del grupo". "Mr. Natural" fue el álbum de transición, pero "Jive Talking", de su sucesor "Main Course", llevó el nuevo sonido de Bee Gees a las radios.
Desde ese momento, y comenzando con "Children of the World" y "Here At Last-Live", los años 70's fueron de Bee Gees. Stigwood les pidió entonces que escribieran canciones para una película que él mismo iba a producir, "Saturday Night Fever", que se convirtió en la banda sonora más vendida de todos los tiempos. Además de escribir y producir los éxitos de Ivonne Elliman ("If I Can't Have You") y Tavares ("More than a Woman"), Bee Gees grabaron varias canciones para ese disco, como "Staying Alive", "Night Fever" o "How Deep Is Your Love". Cuando la película se estrenó en 1977, no sólo asentó la carrera en Hollywood de John Travolta, sino que revitalizó la escena de la música disco, creando furor por el baile y estableciendo una moda que influyó más allá de los 70's. La banda sonora rápidamente se convirtió en un documento definitivo de la era de la música disco, liderando las listas durante 24 semanas.
Bee Gees se hicieron las mayores estrellas musicales del momento. El primer single, "Staying' Alive", fue solo uno de los tres números 1 del álbum; le siguieron "How Deep Is Your Love" y "Night Fever". Después del tropezón que para ellos supuso su participación y protagonismo junto a Peter Frampton en el filme musical "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", regresaron en 1979 con "Spirits Having Flown", otro enorme éxito que incluía los números 1: "Tragedy", "Too Much Heaven" y "Love You Inside Out".
Ese mismo año vio la luz un doble elepé antológico que recopilaba veinte grandes canciones como "You Should Be Dancing", "Too Much Heaven", "If I Can't Have You", "More Than A Woman" y "Nights On Broadway", entre otras. Su hermano pequeño, Andy, había también comenzado un meteórico ascenso a la cima. Su primer single "I Just Want To Be Your Everything", fue el primero de tres números 1 consecutivos en las listas norteamericanas, convirtiéndose así, en el primer solista que consiguió llegar a lo más alto con sus tres primeros singles. Desgraciadamente, las drogas y el alcohol acabaron con la salud y la vida de Andy Gibb. El pequeño de los hermanos Gibb murió en 1988 a los 30 años. Su padre, Hugh nunca superó esa pérdida y falleció cuatro años más tarde.
Después del tremendo éxito conseguido, Bee Gees sufrieron un retroceso en su carrera en los años 80 y las emisoras de radio americanas no quisieron poner la música de su álbum "Living Eyes". Aunque su sonido continuaba derivando de las raíces del R&B, todo el mundo les relacionaba con la música de baile, lo que no les favorecía en absoluto. No se desanimaron por ello, y se centraron entonces en la composición y producción de otros artistas, creando brillantes trabajos aclamados por la crítica: Barbra Streisand ("Guilty"), Dionne Warwick ("Heartbreaker"), Kenny Rogers y Dolly Parton ("Island in the Stream") y Diana Ross ("Chain Reaction"), entre otros. Emprendieron proyectos en solitario: Robin con sus álbumes innovadores en técnicas de grabación, en los que utilizó por primera vez el sampler ("Secret Agent" y "Walls Have Eyes"), y Barry con sus trabajos "Now Voyager" o "Hawks", este último, banda sonora de una película producida por él mismo.
Cuando regresaron de nuevo en 1986 con el álbum "ESP", fueron calurosamente acogidos en todo el mundo. El single "You Win Again", fue un nº1 en todas partes, menos en Estados Unidos, donde todavía estaban "empachados" de la época de la música disco de los Gibb. Tras la muerte de Andy, Maurice recayó en el alcohol y Bee Gees se retiraron por un tiempo, hasta que en 1989, resucitaron con "One", otro éxito en Europa. Después de "High Civilization" en 1991 y "Size Ins't Everything" en 1993, llegó otro período de hibernación, antes de su retorno en 1997 con "Still Waters Run Deep", cuyo lanzamiento coincidió con su entrada en el Rock and Roll Hall of Fame.
Ese año también recibieron numerosos premios en reconocimiento a toda su carrera por parte de los American Music Award, los Brit Awards, los German Bambi Awards, los Word Music Awards y los Australian Record Industry. A finales de 1991 apareció el cedé "Bee Gees Story" que recogía veinte de sus más grandes canciones escritas desde sus comienzos como "Holiday", "Massachussets", "I Started A Joke", "Jive Talking" y "Tragedy", por citar algunas. En una ocasión Barry dijo: "Lo que más temo es que nosotros siempre seremos los Bee Gees...y no podremos seguir así pasados los 40. No quiero acabar mis días cantado en Las Vegas". Pero Barry no podía imaginar entonces que Las Vegas fue el escenario de un enorme triunfo de Bee Gees en 1997, 30 años después de su primer éxito internacional, cuando el grupo realizó su primer gran concierto en América desde 1989, "One Night Only", filmado y emitido mundialmente. El concierto se grabó igualmente para publicarse en CD, en vídeo doméstico y en DVD. Ese concierto en el MGM Grand Hotel fue mucho mas lejos que las actuaciones en nightclubs que Barry quería evitar años atrás.
El éxito conseguido les proporcionó el impulso que necesitaban para organizar una serie de conciertos "One Night Only", que les llevaría a todos los continentes. Con el álbum "One Night Only", Bee Gees conmemoraron su 30 aniversario dentro de la música e incluían sus canciones de siempre: "Massachussets", "To Love Somebody", "Words", "Closer Than Close", "Jive Talking", "Stayin' Alive", "Night Fever" y "Tragedy", entre otros. Bee Gees han terminado de grabar un nuevo disco. La fecha prevista de lanzamiento se ha trasladado al 2001 y se titulará "This is Where I Came In". Aunque anteriormente se iba a llamar "Technicolor Dream" , finalemente se cambió debido a que Technicolor es una marca registrada. La presentación en los juegos Olímpicos que el grupo tenía planeada, fue cancelada debido al cambio de fecha en el lanzamiento del álbum.
Discografía de Bee Gees:
- Bee Gees 1st (1967)
- Horizontal (1968)
- Idea (1968)
- Best of The Bee Gees (1969)
- Odessa (1969)
- Cucumber castle (1970)
- Trafalgar (1971)
- To whom it may concern (1972)
- Best of The Bee Gees Vol. 2 (1973)
- Life in a tin can (1973)
- Mr. Natural (1974)
- Main course (1975)
- Children of the world (1976)
- Here at last... Live (1977)
- Saturday night fever (1977)
- Sesame Street Fever/Sgt. Peppers Lonely Hearts (1978)
- Spirits having flown (1979)
- Greatest (1979)
- Living eyes (1981)
- Staying alive (1983)
- E.S.P. (1987)
- One (1989)
- High civilization (1991)
- Size isn't everything (1993)
- Still waters (1997)
- One night only (1998)
- This is where I came in (2001)
- Their greatest hits: The Record (2001)